Distorsión Sonora os desea Feliz Navidad

Agoria Feat Carl Craig And La Scalars - Speechless (2010)

Agoria nos presentara su nuevo álbum en febrero, Impermanence, el cual nos a dejado ya algunos singles como Gran Torino y Speechless. El tema cuenta con la colaboración de Carl Craig y estará producido por el sello In Finé. El track Speechless es una gran muestra del potencial que puede llegar a desatollar Agoria tanto como en techno como en deep house.

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Tonino Carotone - Mondo Difficile (2000)

Tonino Carotone es el seudónimo de Antonio de la Cuesta, un cantautor español nacido en Burgos el 9 de enero de 1970. Su infancia y gran parte de su juventud transcurren en Barañain y Pamplona (Navarra).1 Se ha confesado enamorado desde siempre de la música italiana, país al que viajó por primera vez en 1995 con otros insumisos al servicio militar español.

Antonio de la Cuesta fue integrante del grupo Cojon Prieto y los Huajalotes. Este grupo que cantaba en castellano y euskera fue muy peculiar por sus ritmos folk-ranchero y sus canciones reivindicativas en clave de humor.

Encontró el éxito en Italia con el tema Me cago en el amor perteneciente al disco Mondo difficile publicado en el 2000.

En 2003 vuelve a dar que hablar con su álbum Senza Ritorno. Sucesivamente ha participado, en dos canciones del disco Malacabeza junto a Arpioni (2005). En 2006 publica junto con el escritor Federico Traversa, el libro Il Maestro dell'Ora Brava. Con anterioridad formó parte de los grupos Tijuana in Blue y Kojón Prieto y los Huajolotes, logrando igualmente un buen número de ventas de discos y actuando en cantidad de conciertos.

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D.E.P. ENRIQUE MORENTE (1942-2010)

Enrique Morente nació en el granadino barrio del Albaicín en 1942. De pequeño ejerció como seise en la Catedral de Granada y comenzó a interesarse por el ambiente flamenco en las reuniones familiares y vecinales. Aprendió así las bases de este arte, especialmente de mano de Aurelio Sellés (Aurelio de Cádiz).

Su afán de aprendizaje y autoafirmación le llevaron a Madrid cuando contaba 14 o 15 años de edad. Allí contactó con un grupo de jóvenes aficionados, universitarios en su mayoría, y junto a ellos acudía casi a diario a locales oscuros en donde aprendió el arte de mano de Pepe de la Matrona, cantaor octogenario que había tenido el honor de conocer a todos los grandes y de haber sido alumno del mismísimo don Antonio Chacón.

Enrique el granaíno, como se le conocía en los círculos que frecuentaba, consiguió despertar el interés de Matrona, más por su actitud ante las cosas, su respeto y su capacidad para aprender que por su afinación o su registro.

El debut de Enrique tiene lugar en la peña flamenca Charlot. A esta actuación siguieron otras allá por el año 1964 en la Casa de Málaga o con la pareja de baile de José Luis Rodríguez y Pepita Sarracena en diversas salas de fiesta, pero debemos considerar su salto a la profesionalidad cuando en ese mismo año es contratado por el Ballet de Marienma, con el que actúa en el Pabellón español de la Feria Mundial de Nueva York y en la embajada española en Washington.

Después actuó en su primer festival flamenco, con el siguiente cartel: Enrique Morente con Juan Talega, Fernanda y Bernarda de Utrera, Gaspar de Utrera, Tomás Torre y Antonio Mairena. La presentación fue a cargo de Ricardo Molina y el evento tuvo lugar en el teatro de los Alcázares de los Reyes Cristianos.

Al año siguiente fue contratado junto con Susana y José para realizar su primera gira europea por Gran Bretaña, Alemania, Holanda, Suiza y Bélgica; posteriormente viajó a Japón e Italia junto a Pepita Saracena y José Luis Rodríguez.

Fue también contratado en el tablao las Cuevas de Nemesio de Madrid, pero el prestigio de Enrique entre los profesionales flamencos creció considerablemente cuando entró a formar parte del elenco de artistas de Zambra y posteriormente en el tablao Café de Chinitas, mientras comenzaba a ser reclamado en festivales y espectáculos donde compartió cartel con todos los grandes artistas del momento. En 1967 obtuvo el Primer Premio del Certamen Málaga Cantaora.

Su primer disco no se hizo esperar. En 1967 apareció con el título “Cante Flamenco”, acompañado por Félix de Utrera, con la discográfica Hispavox. Esta grabación denotaba el gran conocimiento que Enrique poseía, tanto por su ejecución encomiable, como por la selección de los cantes que incluyó, nada habituales en la época y mucho menos en un joven de 25 años: cantos de Frasquito Hierbabuena, caña, cantes de Pedro "El Morato", mirabrás, todo ello entre soleás y seguiriyas. En este aspecto, las influencias de Pepe de la Matrona eran palpables y la proyección comercial de este cantaor no era precisamente halagüeña por carecer de presencia en el movimiento estético de aquella época, movimiento que lideraba Fosforito, Manolo Caracol y Antonio Mairena. El reconocimiento a este trabajo discográfico se materializó en una Mención Especial de la

Cátedra de Flamencología en 1968.

En ese mismo año 1967 salió a la luz otro disco, también con la casa Hispavox, titulado “Cantes Antiguos del Flamenco” y en el que era acompañado por el Niño Ricardo, con una selección de cantes que denotaba un profundo conocimiento, que llamó sobre todo la atención por el corto periodo de tiempo con respecto al anterior trabajo, lo que hace suponer que no se trataba de un aprendizaje forzado para la ocasión en ninguno de los dos discos sino de la exposición honesta y estructurada de lo asimilado, de lo aprendido y de lo vivido.

Durante los siguientes años, tiene lugar el encuentro entre Enrique Morente y Manolo Sanlúcar que provocará una relación profesional que perdurará durante mucho tiempo. Es con éste magnífico guitarrista con quien vivirá la experiencia en 1970 de ser el primer cantaor flamenco que actuaba en el Ateneo de Madrid.

Durante 1971 desarrolló en México con la guitarra de Parrilla de Jerez y la bailaora Ana Parrilla una serie de actuaciones en tablaos, teatros y centros culturales que culminó con su participación en el I Festival Internacional Cervantino de Guanajuato y su presentación en el auditorio de la Universidad de las Américas en 1972. Ese mismo año ofreció en Madrid un recital en compañía de María Vargas y Manolo Sanlúcar, recibiendo un homenaje. En compañía de éste último, realizó una serie de recitales en Nueva York: Lincoln Center, Spanish Institute, etc. En 1972 fue reconocido por la Cátedra de Flamencología y Estudios Folklóricos Andaluces de Jerez de la Frontera con el Premio Nacional de Cante y actuó en la sede parisina de la Unesco. En 1973 volvió a cantar en el Lincoln Center neoyorquino.

En 1978 vendría la edición de sus discos "Despegando" y “Homenaje a Don Antonio Chacón”. Por éste último, en el que volvió al cante plenamente ortodoxo, pese a ser una época en la que ya se hallaba inmerso en su particular renovación del cante, obtuvo el I Premio Nacional otorgado al mejor disco de música folclórica que concedía el Ministerio de Cultura.

Década de 1980

En el inicio de la década de los ochenta estaban de moda los “mano a mano” entre artistas y fueron varios los que realizó con Camarón. El primero de ellos tuvo lugar en el Frontón de Madrid. En 1981 estrenó en el Centro Musical Piaff de Granada su espectáculo "Andalucía hoy" que posteriormente presentó en diversas ciudades y en el teatro Olympia de París. En esa segunda mitad de la década de los setenta, Morente participó en el montaje de La Celestina junto al pianista Antonio Robledo y su mujer, la bailaora suiza Susana Audeoud. Poco después los tres dieron vida al ballet "Obsesión", estrenado por el Ballet Nacional de Canadá. También junto a Antonio Robledo, Morente creó la "Fantasía del cante Jondo para voz flamenca y Orquesta", estrenada en el Teatro Real de Madrid el 16 de mayo de 1986, con las guitarras de Juan Habichuela y Gerardo Núñez y la Orquesta Sinfónica de Madrid dirigida por Luis Izquierdo. Ya en estos años se editó un disco pirata en Holanda titulado "Morente en vivo".

Una de sus experiencias artísticas más audaces y originales fue el estreno en Granada en 1988 del espectáculo "El loco romántico" basado en la obra cervantina "Don Quijote de la Mancha". Esta experiencia resumía de alguna manera la trayectoria del maestro de Granada.

En este mismo año (1988) estrenó también su "Misa flamenca", con textos de San Juan de la Cruz, Fray Luis de León, Lope de Vega y Juan de la Encina. También grabó "En la Casa Museo de Federico García Lorca", con textos de Lorca. Este fue el primero de sus discos dedicados a Lorca y fue por encargo de Juan de Loxa, director de la Casa Museo.

En 1989 fue nombrado socio de honor del Club de Música y Jazz San Juan Evangelista, junto a Ángel Barutell Farinós (jefe relaciones externas de El Corte Inglés) y Gustavo Villapalos Salas (Consejero de Educación y Cultura de la Comunidad de Madrid) con motivo del XX aniversario de dicho club.

[editar]Los noventa

El 15 de septiembre de 1990, en el Patio de la Montería de los Reales Alcázares de Sevilla se estrenó, dentro de la VI Bienal de Flamenco, el "Allegro soleá" con las guitarras de Pepe Habichuela y Montoyita, el piano de Antonio Robledo y la Orquesta de Cámara de Granada dirigida por Micha Rachelevsky. Era un sueño hecho realidad. Hasta llegar aquí, habían sido muchas las experiencias musicales por las que había pasado. Además de las relacionadas anteriormente, compuso la música de la obra de Martín Recuerda "Las arrecogidas del Beaterío de Santa María Egipcíaca", trabajó con José Luis Gómez en Edipo Rey y con Miguel Narros en “Así que pasen cinco años”.

Otra referencia ineludible fue la del marroquí Chekara, ya que en su espectáculo "Macama Jonda", de José Heredia Maya, reunió a la Orquesta Andalusí de Tetuán con un selecto plantel de artistas flamencos entre los que se encontraba la madre de Lole, nacida en Orán, Antonia la Negra y Enrique Morente. Esta obra intentaba ser un encuentro entre músicos flamencos y magrebíes para crear una atmósfera común.

En 1990 fusionó su expresión musical con las célebres Voces Búlgaras "Angelite" en la puerta de la Catedral de Barcelona en una producción del Taller de Músicos de Barcelona. En 1991 vio la luz su "Misa Flamenca", que no tenía nada que ver con las anteriores experiencias flamencas relacionadas con la sacra ceremonia. Posteriormente y aprovechando la que sería la última visita a España de Sabicas, el viejo maestro de la guitarra ya octogenario y en estado crepuscular, pues moriría antes de que la obra saliera al mercado, grabó un disco totalmente conservador con el toque clásico del maestro navarro para el sello Ariola: "Nueva York/Granada, Morente-Sabicas".

Con "Negra si tú supieras" grabó para Nuevos Medios en el 93, aunque enseguida tomó forma la idea de crear su propio sello discográfico, Discos Probeticos.

En 1994 Morente fue el primer cantaor de flamenco que recibió el Premio Nacional de Música otorgado por el Ministerio de Cultura de España. En 1995 recibió la Medalla de oro de la "Cátedra de Flamencología" de Jerez de la Frontera y el premio "Compás del Cante" en Sevilla.

En 1996, participó en el homenaje a Manuel de Falla en el Lincoln Center de Nueva York, junto a Tomatito, con el que realizaba una gira por toda la geografía española.

En su disco titulado "Omega" colaboró con el grupo de rock granadino Lagartija Nick y numerosos artistas del flamenco, como Vicente Amigo, Tomatito o Cañizares, para adaptar poemas de Federico García Lorca y temas del cantautor canadiense Leonard Cohen. Este disco ha sido todo un referente en la revolución del flamenco, y abrió sendas desconocidas hasta ese momento. Tal ha sido la repercusión de esta obra, que cada cierto tiempo Enrique y el grupo granadino vuelven a reencontrarse para presentar el espectáculo Omega en directo, como ha sucedido recientemente en el festival Primavera Sound 2008 celebrado en Barcelona, dentro de la nueva gira que se está realizando ese mismo año 2008 que les ha llevado hasta México a presentar su obra.

En 1998 recibió el Galardón de Honor de los Premios de la Música e intervino en el espectáculo “Canción con reflejo” de Cahro Vallés en homenaje a Federico García Lorca, junto al actor Francisco Rabal y su hija Estrella Morente, y que se presentó en mayo en el Teatro Principal de Valencia.

Identificado como uno de los máximos responsables de la renovación del cante, así como el mejor adaptador al flamenco de poemas cultos de poetas como Miguel Hernández, García Lorca, los Machado, Lope de Vega, Al-Mu'tamid, Bergamín, San Juan de la Cruz, Guillén, Rafael Alberti, Hierro, Luis Rius y Pedro Garfias.

Asimismo ha acunado la carrera musical de su hija, Estrella Morente, que se ha consolidado como una de las mejores cantaoras que han surgido en los últimos años.

Años 2000

En Mallorca, el día 20 de julio de 2002, la Fundación Costa Nord es escenario del estreno absoluto de la primera producción promovida por dicho Centro Cultural: el "ESPECTÁCULO ÁFRICA, CUBA, CAI". Enrique Morente lideró este proyecto de mestizaje a tres bandas: África, Cuba, y Cádiz, que toma como punto de partida la idea de que el ritmo y la expresión del continente negro tienen un claro reflejo en la tradición musical de América Latina, que a su vez mantiene fuertes conexiones con la música flamenca.

En el 2003 apareció su disco “El pequeño reloj”, con el que rompía el concepto que tradicionalmente se tiene de un disco flamenco, presentando una obra discográfica como una obra de arte completa, desarrollando el concepto del tiempo desde ópticas distintas como si de un libro de poemas se tratase, estructurando el orden de las letras y de las músicas. En su coqueteo con el tiempo, conjugaba lo tradicional, lo añejo y la tecnología. Mientras dejaba constancia de una época fundamental del flamenco, con cantes clásicos sobre toques clásicos (a la cual perteneció y ahora engrandece con su aportación constante), experimentó con nuevas y sorprendentes armonías que aún no han llegado al flamenco moderno.

En el año 2005 se le otorga la Medalla de Andalucía en reconocimiento a una encomiable carrera dedicada al flamenco y a su apertura con respecto a otras músicas así como a su divulgación por todo el mundo. Además colabora con la banda sevillana Sr. Chinarro para su disco "El fuego amigo", en la canción "El Rito".

Participó en la canción No soy como tú del dúo Amaral en el disco Pájaros en la cabeza

En febrero del año 2006, el trabajo "Morente sueña la Alhambra" en su doble formato (disco y DVD) es reconocido por la crítica nacional con varias distinciones. Este mismo disco es considerado como el mejor disco de flamenco en los Premios Nacionales de la Música.

Y siguió recibiendo reconocimientos a su trabajo cuando en junio de 2006 fue condecorado con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

En 2007 colabora con la banda granadina Los Planetas en su disco La leyenda del espacio, inspirado en la tradición flamenca andaluza (simil del título con La leyenda del tiempo de Camarón). Se le puede escuchar en la canción que cierra el disco, Tendrá que haber un camino, con estructura de cañas.

Su último disco, editado en 2008, se titula "Pablo de Málaga" y en él Morente descubre al Picasso poeta, poniendo voz a varios de los poemas escritos por el malagueño. La idea surge tras su presencia cantando en la inauguración del museo Picasso de Málaga. Este disco de nuevo supone una nueva vuelta de tuerca en su innovación continua del arte flamenco. Tras terminar este disco comienza a preparar otro titulado "El barbero de Picasso", también en homenaje al pintor malagueño, que no llega a terminar por una enfermedad.

El 10 de diciembre de 2010 entra en coma por un infarto cerebral tras ser operado de cáncer de esófago en la Clínica de la Luz de Madrid. Murió el 13 de diciembre en el mismo hospital

¡HASTA SIEMPRE MAESTRO!

Dj Krush - Holonic (1998)

Hideaki Ishii, tambien conocido como Dj Krush, no desubrió su pasión por el hip-hop y los tornamesas hasta comienzos de los 80.

En esos años estaba inspirado en la película "Wildstyle" y poco tiempo después compró su propio equipo. Sus primeros trabajos estaban influenciados por artistas como Grandmaster Flash, DST y Kurtis Blow.

Antes de empezar su carrera en solitario a fines del año 1992, él era integrante del popular, actualmente legendario, grupo japonés de hip hop Krush Posse. Después de su separación, el talentoso DJ tuvo la atención de la gente con sus presentaciones en vivo y se presentó como músico de fondo de varios artistas de r'n'b.

Su primer álbum "KRUSH" salió en Enero de 1994 y fue seguido por una serie de lanzamientos en Japón, Estados Unidos y Europa. El álbum fue especialmente bien recibido por la dominante escena triphop/hip hop experimental/downbeat inglesa, donde el lanzamiento de su primer álbum fue muy exitoso.

Los álbumes que le siguieron no pudieron repetir el éxito de "Krush" de la misma forma. Todavía DJ Krush y su compañero de sello DJ Shadow son llamados los "padrinos del hiphop/trip hop". Todos sus lanzamientos en solitario han logrado posiciones en los rankings de su estilo musical afuera de Japón. Su sexto álbum "Zen" ganó el premio al mejor álbum electrónico el año 2002 en Estados Unidos.

Además de sus actividades internacionales como productor, remezclador y DJ, mostró su talento trabajando en varias bandas sonoras de películas, dramas y comerciales, además de presentarse en vivo junto a diferentes músicos para ampliar su horizonte de géneros.

En 2004, Hideaki produjo la banda sonora de la película "Arakimentari" junto al fotógrafo japonés Araki. La película obtuvo la atención de varios festivales de películas americanos y obtuvo el premio de la audiencia en el "Brooklyn International Film Festival". Su álbum "Jaku" alcanzó los rankings RPM de CMJ en Estados Unidos.

Krush ha estado trabajando con varios músicos bien conocidos, entre los que se encuentra DJ Sak, con quien empezó el proyecto RYU. A fines del año 2000 formó parte de JAG Project; un projecto musical de varios artistas como DJ Spooky, DJ Hide, DJ Sak, That Subliminal Kid, Phonosycgraph y Jun Sawada.

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James Jean

James Jean es un artista nacido en Taipei, Tailandia, en 1979, pero reside actualmente en Los Angeles. Fue educado en la escuela de artes visuales de Nueva York. Se graduo en 2001 y rápidamente sus ilustraciones fueron portadas de DC comics. Ha recibido un sin fin de premios y reconocimientos como medallas de oro de la Sociedad de Ilustradores de LA y de Nueva York. Actualmente colabora con multitud de publicaciones, tanto nacionales como internacionales. Entre sus clientes se encuentran algunos como The Times, The New York Time, Rolling Stones, Spin o Prada entre otros.

Web del artista

-James Jean-

http://www.jamesjean.com/

Jamaica! - No Problem (2010)

Anteriormente conocido como Poney Poney, el dúo francés denominado ahora Jamaica ha logrado provocar cierto revuelo con los anticipos del presente debut. A pesar de que el contenido definitivo sea la antítesis del sonido novedoso, lo cierto es que la vistosidad y funcionalidad del disco es tan innegable como seguramente efímera.

Antoine Hilaire y Florent Lyonnet, apoyados a la batería por David Aknin, han sido producidos por un artífice del ritmo como Xavier de Rosnay -cincuenta por ciento de los encumbrados Justice-, encantado de manejar la aglomeración que en descontrolada batidora mezcla a formaciones como sus compatriotas Phoenix y Rinôçérôse, Friendly Fires, los últimos Franz Ferdinand o The Rakes.

El asunto funciona en plena agitación del hedonismo bailable, incluyendo como ocasional aderezo guitarras de corte heavy añadidas a sintetizadores y loops para presumir de toque intencionadamente hortera con el que aumentar la personalidad en medio punto. Las canciones avanzan a buen ritmo con destacados bombazos en “I Think I Like U 2”, “By The Numbers”, “Secrets” y “Short And Entertaining” dentro del ensamblado artefacto recreado en electro-punk de saldo.

Un álbum de validez actual y futura caducidad por el escaso recorrido de la banda en comparación con aventajados compañeros de juego. No Problem (2010) es un entretenimiento a disfrutar mientras aguante la gracia.

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Adanowsky - Amador (2010)

Adanowsky (Adan Jodorowsky), 27 años, nacido en Francia, hijo de una mexicana-irlandesa y de un chileno-ruso. Empezo a tocar piano a los 6 años, la guitarra, el bajo y la batteria a los 14. Fué actor en TWO DAYS IN PARIS de Julie Delpy, en SANTA SANGRE de su padre (premiado en los Academy Awards Los Angeles por mejor actor) y RIEN VOILA L'ORDRE, dirigido por un miembro de la « nouvelle vague » Jacques Barratier. Tambien es bailarin, dibujante, director (Echek, Le Vicieux, El idolo) y escribio un libro de poemas (« Corazon Blanco » editado por City lights Italia).

THE HELLBOYS fué su primer banda de Punk rock (Album : « Mutant Love » Bonus Track Records). Luego empezo siendo bajista para cantantes (Adrienne Pauly, -M-, Yarol Poupaud…) y se lanzo finalmente a cantar y componer a los 22 años. Hizo mas de 150 conciertos con su banda antes de grabar su disco debut « Etoile Eternelle » (Dreyfus Music). Despues de la salida de su primer album en Europa, hizo en un año, mas de 200 conciertos por todo el mundo. Su disco se grabo en las afueras de Paris, en una casa con solo material vintage. Se notan, en sus canciones, ambientes cabareteros decadentes, boleros inscestuosos, o rock-folk melancolico. Participan en su disco artistas franceses como Arthur H, -M-, el pianista premiado Giovani Mirabassi, y el Argentino Fernando Samalea.

Acompañado en escena por una banda francesa « Gush », Adanowsky propone un Show delirante, con bailarinas, Pin-up, trajes, bailes y ceremonias voodoo. Participa el publico, le lanzan calzones, las mujeres y hombres lo desvisten, se produce una catarsis digno de un happening.

Despues de la grabacion de un video clip con el director Sebastian Lelio para la cancion « Estoy Mal » y unos conciertos en latino america, Adanowsky saca este año su primer disco como solista "el Idolo" en Argentina, Chile, Uruguay, Mexico y España.

NO APTO PARA CUANDO TE DEJA LA NOVIA : P

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The Jazzinvaders - Up and out (2006)

Jazzinvaders es un proyecto alemán entre nu-jazz y afrobeat, compuesto por el productor y percusionista Phil Martin, y dos miembros del legendario grupo de jazz The Houdini's, esto es: Rolf Delfos (metales y saxofón) y Erwin Hoorweg (piano). Todo empezó en una sesión en el conocido club Bimhuis de Amsterdan, en la que Phil Martin experimentó con la fusión de su dance groove y con el jazz de los dos integrantes de Houdini's. El resultado se llama Jazzinvaders, una fusión de hard bop, broken beats, groove y ritmos de baile. Su álbum se titula Up & Out y está editado por Social Beats.

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Paul Kalkbrenner - 2010-09-25 - Live at Craft Knot on Proton Radio

Paul Kalkbrenner es un productor de música Techno, Minimal Techno, House e IDM nacido en Leipzig, Alemania actualmente radicado en Berlín.

Desde 1985 empezó su formación como trompetista, estudios de solfeo y teoría musical, los cuales concluyó en 1990. En 1994 comenzó su carrera como Liveact. En 1999 publicó su primer EP titulado Largesse, en ese entonces aún bajo el pseudónimo Paul db+. En ese mismo año publicó el EP Friedrichshain con la discográfica berlinesa BPitch Control.

En 1996 se lanza como productor para así laborar de forma más profesional, lo cual le trajo trabajos de edición y producción para diversas cadenas de televisión en Alemania como ARD, ZDF, RTL y Premiere.

Para sus presentaciones en vivo Paul Kalkbrenner utiliza un software sintetizador, secuenciador (Ableton Live) en conjunto con un controlador MIDI, sintetizadores de hardware y máquinas de beat.

Desde el despegue de su carrera ha tocado en grandes festivales: Mayday, Nature One, SonneMondSterne, Melt, Fusion, entre otros. También ha publicado material bajo los pseudónimos Paul dB+ y Granada.

En el 2008 salió la película Berlin Calling con Kalkbrenner en el rol principal. Su hermano Fritz Kalkbrenner participó igualmente en ésta, y juntos produjeron Sky And Sand, himno y canción principal de la película. Paul produjo casi en su totalidad la música de la misma, que fue publicada en el disco Berlin Calling - The Soundtrack By Paul Kalkbrenner.

Aqui os dejo una sesión grabada de hace poco:

Paul Kalkbrenner - 2010-09-25 - Live at Craft Knot on Proton Radio by Electro-Mix-Memory

Para descargar : http://soundcloud.com/electro-mix-memory/paul-kalkbrenner-2010-09-25-live-at-craft-knot-on-proton-radio/download

Grzegorz Domaradzki

Grzegorz Domaradzki tiene 31 años y es un ilustrador y diseñador gráfico de Poznan, Polonia. En 2003 se gradúa en la Academia de Artes de Poznan con masters en artes gráficas e ilustración. Trabaja para varias agencias de publicidad.

Pagina de autor:

http://www.iamgabz.com/

Scientist - Rids The World Of The Evil Curse Of The Vampires

The Scientist es el alias del jamaicano Overton Brown, innovador del sonido dub. Nacido en Hopeto Brown, en la capital Kingston, Jamaica. Fue el protegido de King Tubby, uno de los progenitores del Reggae Dub. Una de las canciones de este disco aparecieron en GTA III.
La verdad encontre muy poca info de este artista pero lo que vale es la buena música que hace este tipo.la verdad muy recomendado...

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CAMBIOS EN DISTORSION SONORA BLOGSPOT

Bueno, he decidido darle un pequeño cambio al blog. A partir de ahora DS , no solo ofrecerá discos de música para vuestro disfrute, si no que crece para ofrecerte mas cosas relacionadas con el mundo de la música y las audiovisuales, como videoclips, performances y vídeo arte. Espero que os gusten las cosas que iré colgando.

De momento os dejo un vídeo de una sesión del DJ Richie Hawtin, en las que aparecen unas estupendas visuales realizadas por el Vj de Minus Ali Demirel. Algunas de las imágenes están extraídas de la película STALKER de Andrei Tarkovsky.

Koop - Koop Islands (2006)

Koop es un dúo sueco (Magnus Zingmark y Oscar Simonsson) de amantes del jazz, del house, del sonido techno de Detroit y del hip hop. Su música es jazz electrónico, un jazz pop muy accesible, easy listening de calidad, muy agradable, apto para oídos profanos en el mundo del jazz electrónico. Su principal inspiración proviene del jazz, especialmente en el caso de Oscar Simonsson, influenciado por la música de John Coltrane, y por el hip-hop (caso de Magnus Zingmark). El resultado es una música jazz, apoyada por la electrónica (ellos dicen que no hacen electrónica con un toque de jazz, sino música jazz con un envoltorio electrónico), cercana a la sonoridad del jazz clásico, pero con elementos modernos. Algo así como un jazz retro-futurista. Sin duda, uno de los grupos más importantes del nuevo jazz, de los que deben figurar en la videoteca de todo buen aficionado: absolutamente imprescindibles.

Los suecos se conocieron en Upsala, en la universidad. A ambos les resultó poco interesante el órgano Hammond, por lo que, una vez instalados en Estocolmo, decidieron unir sus fuerzas para hacer, junto a una serie de colaboradores, una música que le devolviera al jazz sueco el esplendor que había perdido en los últimos años. Debutaron en 1997, con el lanzamiento de Sons Of Koop, que inmediatamente les situó en el mercado internacional, sorprendiendo agradablemente a la crítica y a los primeros seguidores del Acid jazz. Este trabajo reúne las características de la música posterior de Koop, con temas de corta duración que dan lugar a un álbum corto. Esto se debe a que el dúo sueco no está a favor del estándar de los larga duraciones de 70 minutos, por lo que prefiere entregar trabajos de menor duración pero con mayor calidad: más intensos (como en los LPs clásicos). Cuatro años más tarde salió a la venta Waltz For Koop, su segundo álbum, con el que perfeccionaron su jazz electrónico de corte clásico. Un trabajo considerado, por el gurú de la radio inglesa, Gilles Peterson, como el mejor álbum del 2001. La sonoridad está más próxima del jazz que su anterior trabajo, más cercano a la estructura pop. En cualquier caso, es uno de los grandes álbunes de nu-jazz, de los que hay que conocer. En el 2003 llegaba a las estanterías de las tiendas Waltz For Koop. Alternative Takes, con versiones de los temas de Waltz For Koop, a cargo de artistas y grupos como Nicola Conte (que entrega un remix de Tonight a la altura del original), Dorfmeister vs. Madrid De Los Austrias, 2 banks of 4, Carlito, Markus Enochson o D’Malicious. No es el álbum ideal para descubrir al dúo sueco, pero sí puede ser interesante para los que ya conozcan los anteriores trabajos de Koop y no puedan esperar al siguiente álbum, además de ser uno de los mejores recopilatorios de remezclas. Es interesante independientemente de si disfrutaste o no con Waltz For Koop. Su esperadísimo tercer álbum de estudio, Koop Islands, llega el 2 de Octubre del 2006, de la mano de Compost Records y Studio !K7

Creo que lo más justo es empezar aclarando que difícilmente este tercer álbum de Koop puede dejar completamente satisfecho a los seguidores del dúo sueco. Koop islands es uno de esos disco-fenómeno que generan tantas expectativas antes de su edición que casi lo de menos es la música. La historia es esta: en el 2001, Magnus Zingmark y Oscar Simonsson editan su segundo trabajo, Waltz for Koop, una obra perfecta, en la que todo encaja, una de las cumbres del nu-jazz que, además, cautiva al mundo, vendiendo casi 200.000 copias. Rápidamente se convierte en uno de los referentes de la escena nu-jazz, junto a Tourist, de St. Germain y Jet Sounds, de Nicola Conte, un clásico imprescindible para conocer ese nuevo estilo que por entonces estaba irrumpiendo con fuerza. Koop es elevado a la categoría de mito, y prácticamente no hay un disco de nu-jazz que no se compare con Waltz For Koop, ni tampoco hay casi ninguna compilación del estilo que no incluya uno o más temas del álbum. En defintiva, se puede habar de un antes y un después del segundo trabajo del dúo sueco. Podéis imaginar, por tanto, la importancia que tiene que Koop tenga una novedad en el mercado, teniendo en cuenta lo necesitado que está el nu-jazz de referentes (no me refiero a artísticos, porque propuestas de enorme calidad surgen cada año, sino comerciales), de los que contribuyen a popularizar la escena. Por eso, la salida de Koop islands, cinco años después de su anterior disco (por mucho que en el 2003 Compost Records editara el recopilatorio de remixes Waltz for Koop. Alternative takes), ha sido recibida como uno de los eventos del año, como ese álbum que todo el mundo quiere escuchar para ver si está a la altura de su ilustre predecesor. El de Koop es uno de esos retornos tan sonados que generan fenómenos tan curiosos como que casi todos sus seguidores tengan ya una opinión del álbum antes incluso de haberlo escuchado, simplemente basándose en la intuición, en los comentarios leídos o en los samples que circulan por Internet. De Koop islands parece que ya esté todo dicho antes de su edición, porque, en efecto, casi lo de menos es la música: lo importante es que el dúo sueco sigue en activo, y si ha habido un tercero, probablemente haya un cuarto, y un quinto...

En cualquier caso, aquí, analizado ya el “fenómeno Koop”, me voy a limitar a comentar los aspectos estrictamente artísticos de Koop islands, y en este sentido, debo decir, apenado, que decepciona y que (es irremediable la comparación) no tiene el brillo ni la carga innovadora de Waltz For Koop. Este nuevo disco es digno, es un buen álbum de nu-jazz, tan agradable de escuchar como el anterior, tan bien producido, pero mucho menos atractivo, sin el mismo magnetismo y poder ignótico. No hay aquí ningún Summer sun (aunque uno parecido: I see a different you) que te deje sonriente durante una semana, ni un nuevo Tonight con el que soñar despierto, sólo piezas easy listening que, lamentablemente, funcionan mejor como música de ambiente que para ser escuchadas activamente. Esta vez han cambiado el jazz de los 60 por el de los 20-30, volviendo a la era del Swing, recuperando el espíritu de las big bands de la época dorada, las de Duke Ellington y, sobre todo, Benny Goodman (el rey del Swing). Este último, por ejemplo, es una innegable influencia: el inicio de batería de Forces... darling está fotocopiado del clásico Sing sing sing, lo mismo que el solo de oboe que suena hacia la mitad. Sim embargo, poco importa que vayan más atrás en el tiempo, porque el sonido es muy similar, demasiado similar, al que ya conocíamos. Si aún así Koop islands es un buen álbum es porque algo tan parecido a una música que tan felices nos ha hecho, que tangos buenos momentos nos ha deparado, por fuerza tiene que seguir conmoviéndonos. Además, los vocalistas están todos magníficos, con la deliciosa Yukimi Nagano (yo sigo pensando que es la voz perfecta para Koop), el siempre bienvenido Earl Zinger, o los menos conocidos Ane Brun y Mikael Sundin.





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Caribou - Swim (2010)

Swim, el nuevo trabajo del canadiense Daniel Snaith, más conocido como Caribou, y anteriormente como Manitoba.

Si hay que hablar de Swim en pocas palabras, diría simplemente que es un disco que sorprende. Un disco cambiante de principio a fin. Es como el agua, como al mismo Snaith le gusta definirlo. Cambiante, que fluye, tanto hacia delante como hacia atrás. Música de baile hecha de agua, en lugar de metal. Debo reconocer que la música dance independiente no es mi mayor debilidad, pero en este caso en concreto no he podido encontrar pega alguna. Esto es exactamente lo que un disco de música dance alternativa debe ser. Música de baile inteligente, sin querer decir que el resto no lo sea, claro.

Si me piden que elija un tema de entre los 11 que componen el álbum, sin duda me quedo con Odessa, que abre el disco con un ejemplo perfecto de lo que su autor quiere decir con el concepto de “música que fluye”, aunque el tema que cierra el disco, Jamelia, no debe ser tampoco olvidado. Con la sugerente voz de Luke LaLonde, nos encontramos un contrapunto perfecto a la apertura del disco. Sonido envolvente y cálido. Simplemente dadle una oportunidad si aún no habéis escuchado esta obra maestra. Es un disco que se disfruta instantáneamente, de principio a fin, desde la primera escucha.

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Tiga - Ciao! (2009)

Hace casi una década que un canadiense se abría camino en el mundo de la electrónica, gracias una sublime cover de un olvidado tema de los 80, “Sunglasses at Night” de Corey Hart. El hombre del que os hablo hacía llamarse Tiga y su nombre no ha hecho más que crecer a pasos de gigante desde aquella. En 2006 publicaba su primer LP, “Sexor”, que se componía de muchos de los singles que le habían catapultado a la fama y algunos track nuevos. El resultado, pese a una calidad notable, no consiguió el reconocimiento de crítica deseado, aunque al canadiense le sirvió para hacerse un hueco en los charts más comerciales, incluídos los de la MTV. Ahora, casi 3 años después, nos llega la continuación de ese LP, un disco titulado “Ciao!” que ahora vamos a desgranar track por track.

Gracias a “Sexor”, Tiga se convirtió en una especie de crooner electrónico, donde su amor por Bowie o Marc Almond se hacía una referencia omnipresente a lo largo de todo el disco. “Ciao!” sigue esa línea de claro corte pop, donde la voz de Tiga se convierte en el elemento principal. Ayudado en el estudio por gente como Soulwax, Peter Murphy (LCD Soundsystem) o Jesper Dahlback, Tiga ha conseguido parir un disco de pop electrónico futurista, lleno de bases electroides infecciosas y un gran gusto por melodías simples y pegadizas. La mayoría de los tracks que componen “Ciao!” siguen la receta de las radio fórmulas, es decir, tracks de corta duración (casi ninguno supera la barrera de los cinco minutos) y estribillos fácilmente tatareables. Una buena demostración de esto es “Beep-beep-beep”, track que abre el disco, un tema de corte electro pop que lleva por detrás un gran trabajo en la producción, la canción es un continuo in crescendo hasta su mismo punto final. A este corte le sigue el single adelanto “Mind Dimension”, donde la influencia del sonido de gente como Proxy, DIM o Sebastian se hace omnipresente. Estamos ante un track con vocación de hit, con mucho trabajo en la producción pero que a un servidor no le termina de convencer. El estribillo que recita “Everytime I Look Into Your Eyes i See The Future” suena un poco fuera lugar, ya que poco o nada de futuro encontramos en este track, más bien se trata de una vuelta de tuerca a un sonido que ya explotó hace 3 años y que sigue en la cresta de la ola gracias a djs como Erol Alkan o el propio Tiga. ¿Será que el de Montreal se está echando flores por poner de moda el mal llamado Nu-Rave/Hardcore?

“Shoes”, el que será segundo single extraído de “Ciao!”, apuesta por el pop estúpido y facilón, un calco de aquel “Far from home”, con cierto sabor en las bases al “Pleasure For the Bas”. Una canción pedorra, más propia de un disco de Kylie Minogue o Pet Shop Boys y que roza el patetismo comercial. Con “What you Need” vuelve el Tiga que más me gusta, el de bases demoledoras y melodías épicas, el Tiga electro infeccioso heredero del sonido electroclash. Un track que sigue en la onda del magnífico “3 Weeks” que encontrábamos en su disco debut. De lo mejor del disco hasta el momento. “Luxury” vuelve al camino de la canción pop, aunque con mucha más clase y estilo que en esa infumable “Shoes”. Electro Pop, Synth Pop muy inspirado en grupos como Junior Boys, donde melodías melancólicas, nolstálgicas ponen una nota románticona a un track que habla de los placeres del éxito y la lujuria. Es un track fácil y simple pero que me gusta y se me pega, no lo puedo parar de tatarear. “Sex O’Clock” vuelve al formato electro, un buen track que también sigue la estela del sonido DIM o Sebastian, sin mucho más que añadir. “Overtime” nos hace esperar hasta la mitad de su duración para que la voz de Tiga entre acción, acompañada de una base electro macarra y efectiva.

“Turn The Night On” cambia el registro hacia el de canción pop, con unas bases muy ochenteras, influenciadas por el postdisco y el Hi – Energy. Un piano bastante acertado salva un track donde las letras dejan bastante que desear. Con “Speak, Memory ” seguimos con el marcado estilo pop que caracteriza este disco, esta vez camuflado en un medio tiempo de tintes épicos. “Gentle Giant” nos conduce hacia el tramo final del viaje, un track donde el tempo baja considerablemente y busca sonoridades más oscuras, lo más cercano a una balada electrónica, donde el sonido u2 parece ser el referente y que da paso al genial “Love Don´t Dance Here Anymore”, un track que recuerda mucho al reciente “Moment” de Damian Lazarus. Intro con piano y vocales de Tiga, una intro que destila elegancia y sensibilidad, recordando a los medios tiempos de Depeche Mode, y que desemboca en un hit 100% bailable, muy inspirado el Hi-Energy y el sonido disco. Un broche que es uno de los mejores tracks del disco, sino el mejor, y que recuerda al inspirado sonido de gente como The Knife

Pese a ser un gran álbum de música pop, “Ciao!” es demasiado irregular. Tiga hace buen uso de la electrónica para dar forma y contenido a los temas que componen este LP, mucho más válido que el que hacen artistas pop que se venden al productor de electrónica de turno (véase Timbaland y amigos), pero que cada vez aleja más al canadiense de ese sonido electro, gamberro y épico que un día nos cautivó, aunque vuelve por estos sonidos, como en el caso de “Luxury” o “What You Nedd”. Tiga For The Masses… eso sí, con ayuda de sus amigos en el estudio.





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Blur - 13 (1999)

13 es el sexto álbum de Blur, sacado en 1999. Alcanzó el puesto #1 en los charts de álbumes de Reino Unido, y puesto #80 en los Estados Unidos. El nombre del álbum reproduce el del estudio de grabación de la banda, aunque hay también 13 canciones en el álbum. Este álbum ve a la banda moverse aún más lejos de su pasado Britpop adentrándose en un territorio musical más cerebral y más denso . "Tender", "Coffee & TV" and "No Distance Left To Run" fueron éxitos de 13.

El álbum está inspirado en la dura ruptura de Damon Albarn con Justine Frischmann, cantante de Elastica, y por los problemas de drogas y alcohol del cantante, provocados por esto. Dos de los singles "Tender" y "No Distance Left To Run" muestran el sufrimiento de Damon así como el amor que siente hacia Justine.

La portada del álbum es una porción de la pintura al óleo de Graham Coxon llamada Apprentice (Aprendiz). Los sencillos del álbum también fueron realizados por Coxon. Los números 1 y 3 de la portada fueron pintados para formar también la letra 'B' - presumiblemente de 'Blur'.




Blur - Coffee And TV
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Nosaj Thing - Drift (2009)

En junio de 2009, su álbum de debut, "Drift", pisó el acelerador y llevó a Nosaj Thing del anonimato al estrellato en pocas semanas. Entre decenas de alabanzas de la prensa especializada y cifras de escándalo en las mayores tiendas de la Red, el joven productor de Los Angeles mostraba su potencial al mundo entero con un puñado de temas de electrónica rítmica con ecos acústicos y estructuras emparentadas con el hip-hop pero a una distancia prudencial de cualquier etiqueta fácil. Tras remezclar a Charlotte Gainsbourg, The xx, Radiohead, Flying Lotus o Daedelus, pasea ahora su impresionante show audiovisual, en el que música, luz y color entablan una extraña relación de sincronía entre lo poético y lo abstracto.

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The Smashing Pumpkins - Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995)

The Smashing Pumpkins es un grupo musical estadounidense de rock alternativo formado en Chicago, Illinois, en 1988. A menudo, especialmente en sus inicios, el grupo fue catalogado dentro del estilo grunge por haberse formado la banda en la misma época de apogeo de dicho género.

Tras disolverse el 2 de diciembre de 2000, la agrupación anunció por medio de su sitio web oficial, el 20 de abril de 2006, una reunión y la grabación de un nuevo álbum. Dicha reunión finalmente se concretó el 22 de mayo de 2007, con la primera presentación en vivo del grupo, tras siete años, en el teatro Le Grand Rex de París, Francia.

Mellon Collie and the Infinite Sadness es el tercer álbum de estudio de la banda de rock alternativo estadounidense The Smashing Pumpkins, lanzado el 24 de octubre de 1995 por medio de la compañía discográfica Virgin Records. El álbum de veintiocho pistas se lanzó en formatos CD doble y triple vinilo y fue producido por el líder de la banda Billy Corgan junto a Flood y Alan Moulder. El álbum contiene una gran diversidad de estilos, además de incorporar más peso musical por parte del bajista D'arcy Wretzky y el segundo guitarrista James Iha que los trabajos previos.

Precedido del sencillo "Bullet with Butterfly Wings", el álbum debutó en el número uno de la lista del Billboard 200, siendo la primera y última vez que lo consiguiera la banda. Se extrajeron cuatro sencillos más -"1979"; "Zero"; "Tonight, Tonight"; y "Thirty-Three" — a lo largo de 1996 y ha sido certificado nueve veces platino por la RIAA.

Mellon Collie and the Infinite Sadness recibió buenas críticas por su ambición y alcance, y recibió siete nominaciones a los Premios Grammy en 1997. En 1998 fue votado por los lectores de la revista Q como el vigésimo noveno álbum más importante de todos los tiempos. En 2003, la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto número 487 de la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos y la revista Time lo nombró como el "Mejor álbum de 1995".






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Band Of Skulls – Baby Darling Doll Face Honey (2009)

Band of Skulls una joya de banda espectacular, son de Londres y la componen Matthew Hayward (batería), Russell Marsden (guitarra y voz) y Emma Richardson (bajo y voz), publicaron su primer trabajo en el 2009 con el nombre ‘Baby Darling Doll Face Honey’, un disco con doce trallazos de rock distorsionado, crudo y agresivo, al más puro estilo Nashvile, no puedo evitar que se me vengan a la cabeza The Dead Weather del mismísimo Jack White y Alison Mosshart (la caña), una banda que nos tiene perdidos con su música.

Al oír la canción “I know what i am”, la tercera del disco, me quede alucinado y me dije, bien!!, una canción nueva de The Dead Weather, más me alegre al saber que esa canción no era de dicha banda si no de Band of Skulls, este tema vale todo el disco, joder el batería que potencia, la ostia, es el jefe y esos riffs de guitarra me van ha volver loco, un torbellino, un fieston, sin olvidarnos del las voces, cortantes, kies y inflamables. Que pedazo de tema, madre de dios. Os juro que es la quinta vez que me lo pongo, rock de guitarras con unas melodías súper adictivas. Estuvo en el numero uno de las listas de ventas en iTunes. No puedo evitar pensar en “Di By The Drop” de The Dead Weather, eso es lo que más me mola y me da igual, ojala salgan muchos grupos con esta propuesta tan directa y contundente de rock de guitarras y voces tan kies a dúo.

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The Best Of Chic - Dance,Dance,Dance (1991)

Chic es un grupo musical estadounidense, formado en 1976 por el guitarrista Nile Rodgers, el batería Tony Thompson, y el bajista Bernard Edwards. Consiguieron sus mayores éxitos con canciones de música disco, como "Dance Dance Dance (Yowsah, Yowsah, Yowsah)" Y "Everybody Dance" (1977), "Le Freak": No. 1 del Billboard U.S. y No. 1 en listas de R&B y "I Want Your Love" (1978), "Good Times" No. 1 del Billboard y "My Forbidden Lover" (1979').

Al mismo tiempo, Edwards y Rodgers componían, arreglaban, interpretaban y producían discos muy influyentes de música disco y R&B, tanto para artistas ya establecidos, como para estrellas de un sólo éxito, como Sister Sledge, Sheila and B. Devotion, Diana Ross, y Debbie Harry. También ayudaron a lanzar a la fama al joven Luther Vandross, que cantó en uno de los álbumes de Chic.

En los ochenta, la banda tuvo que luchar por su difusión y sus ventas, y acabó separándose. Rodgers y Edwards produjeron discos por separado para una amplia variedad de artistas. Rodgers produjo el álbum de mayor éxito comercial de David Bowie, Let's dance, y fue en gran parte responsable del éxito de Madonna en 1985 con su álbum Like a Virgin. A principios de los noventa, Rodgers y Edwards se reunieron para trabajar en material nuevo. Edwards murió en 1996 en Japón, pero Chic siguió haciendo giras con nuevos músicos. Thompson falleció en 2003.

Además de definir la música disco, Chic inspiró a otros artistas en la elaboración de su propio sonido. Por ejemplo, The Sugarhill Gang utilizó Good Times como base instrumental para su Rapper's Delight (1979), el primer éxito discográfico del hip hop. Y el grupo británico Queen sacó de los típicos riffs de guitarra y bajo de Chic la inspiración para su exitoso single Another One Bites The Dust. Chic siempre sabía si sus temas iban a funcionar...porque primero, sin que nadie lo supiese, los pinchaba en la discoteca Studio 54 de Nueva York. Comprobaban el comportamiento de la gente y, dependiendo cuál fuese, lo editaban o no.









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Johnny Cash - At Folsom Prison (1968)

John Ray "Johnny" Cash (n. Kingsland, Arkansas; 26 de febrero de 1932 – f. Nashville, Tennessee; 12 de septiembre de 2003) fue un cantautor estadounidense de country, gospel, rock and roll y rockabilly. Fue uno de los máximos representantes de la música country, aunque creó su propio subgénero musical.

Cash fue conocido por su profunda voz, por el característico sonido boom-chick-a-boom de su banda de acompañamiento, los Tennessee Three y, por vestir ropa oscura, lo que le valió el apodo de «El Hombre de Negro» («The Man in Black»). Empezaba todos sus conciertos con la sencilla frase: «Hola, soy Johnny Cash» («Hello, I'm Johnny Cash»).

Muchas de las canciones de Cash, como en «I Walk The Line», «Folsom Prison Blues», o «Man in Black», tratan de temas como la pena, la culpa, tribulaciones morales y redención, una tendencia que se acentuó en la última etapa de su carrera. También compuso canciones humorísticas (como «One Piece At A Time», «The One On The Right Is On The Left» o «A Boy Named Sue»), llenas de vitalidad («Get Rhythm») o con otras temáticas típicas del country, como el ferrocarril («The Rock Island Line»). Curiosamente, algunos de sus temas más conocidos son covers de otros artistas, pero versionadas con un estilo propio que lleva su sello por todas partes, como Hurt (de Nine Inch Nails), o el tema, grabado junto con Joe Strummer, Redemption Song, que Bob Marley había compuesto poco antes de su muerte.

Vendió cerca de noventa millones de álbumes en sus casi cincuenta años de carrera. Es presentado habitualmente como uno de los músicos más importantes en la historia de la música country. Es uno de los tres únicos músicos que han sido admitidos en más de un «Salón de la Fama»: en el Salón de la Fama del Rock, del Country y de Compositores de Nashville.

Grabado y lanzado el año 1968 en la prisión estatal de Folsom, California. En el álbum aparecen artistas como June Carter, Carl Perkins y la banda de Cash "the Tennessee Three" en el Cd se incluyen canciones como "Greystone Chapel" que fue escrita por un prisionero de la cárcel llamado Glen Sherley y por lo tanto nunca la había cantado en su vida sino hasta la noche antes de la presentación, esa misma noche antes de conocer de la canción vino el sacerdote de la prisión y le mostró la canción interpretada por el prisionero y rápidamente hizo que la incluyeran en el álbum y la presentación.
Aunque Cash respetaba las plegarias de los prisioneros ellos lo respetaban a él y sus melodías por lo tanto se quedaron en silencio y tuvieron que agregarle gritos y abucheos después de la grabación. El disco lanzado en 1968 corta partes de las canciones y saca otras por motivo de tiempo y espacio pero en la reedición del año 1999 se incluyen más canciones pero sigue sin ser el concierto entero pero pusieron canciones como "I'm Not in Your Town to Stay," "I've Got a Woman," "Long Legged Guitar Picking Man," y una melodía bastante diferente a la canción original de "Greystone Chapel".
En el 2003 este álbum de Cash fue uno de los 50 álbumes escogidos por la librería del congreso de Estados Unidos y lo agregaron al registro nacional.
En el 2006 salió #3 de los 40 mejores álbumes de country de la historia del canal Country Music Television (CMT)






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OST/BSO Death Proof (2007)

Death Proof es una película estadounidense del año 2007 escrita y dirigida por Quentin Tarantino. La película se centra en un psicópata especialista que asalta chicas jóvenes antes de asesinarlas con su coche de especialista "a prueba de muerte". La película es un tributo a los muscle cars y los géneros exploitation y slasher de los años 1970. Fue protagonizada por Kurt Russell, Zoë Bell, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito, Jordan Ladd, Sydney Tamiia Poitier, Tracie Thoms, Mary Elizabeth Winstead y Rose McGowan.







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Pixies - Come on Pilgrim (1987)

Pixies es una banda de rock alternativo formada en 1986 en la ciudad de Boston, Estados Unidos. El grupo se desintegró en 1993 debido a tensiones internas pero se reunió nuevamente en 2004. La banda ha estado integrada desde su creación por Black Francis, Joey Santiago, Kim Deal y Dave Lovering. Si bien Pixies solo pudo conseguir un modesto éxito en su país, alcanzó mucho mayor reconocimiento en Europa, en especial en el Reino Unido, a pesar de que ninguno de sus álbumes tuvo un gran éxito comercial.

La música de Pixies está influida por el punk y el surf rock. A pesar de que su estilo es muy melódico, son capaces de ser cáusticos. Esto se ve reflejado en las letras de Francis, cantante y compositor principal del grupo, que interpreta con un estilo de voz desesperado. Los temas de sus letras suelen girar en torno a fenómenos de difícil explicación, como el fenómeno OVNI o el surrealismo. Las referencias a temas como la inestabilidad mental, imágenes violentas tomadas de la Biblia, el incesto o daños físicos también son muy frecuentes en las letras de la banda.

Al grupo frecuentemente se le ve como el antecesor inmediato del boom del rock alternativo de principios de la década de 1990, a pesar de que su disolución se dio antes de que pudieran cosechar beneficios de ello. Kurt Cobain, fan confeso de Pixies, reconoció la gran influencia que el grupo ejerció en Nirvana,al igual que otros grupos de rock alternativo. Esto aseguraría el legado de Pixies y provocaría que su influencia fuera creciendo sustancialmente en los años posteriores a su separación.

Al igual que ocurrió con otros grupos de noise pop, su estilo personal ejerció gran influencia sobre muchas de las bandas de rock de la escena grunge y alternativa de principios de la década de 1990, especialmente sobre Nirvana y Weezer, quienes popularizaron su particular uso de melodías suaves durante las estrofas y explosiones, gritos y guitarras distorsionadas en los estribillos. Fueron de gran influencia para todas las bandas que posteriormente incluirían el noise en canciones de estructura pop al igual que ellos.

En marzo de 1987, Pixies (Black Francis, guitarra/voz; Mrs. John Murphy, bajo/voz; Joey Santiago, guitarra; David Lovering, batería), entraron a Fort Apache Studios con Gary Smith para grabar una demo. El casete de diecisiete pistas resultante, después llamado The Purple Tape llegó a manos de Ivo Watts-Russell, presidente y cofundador del sello discográfico independiente 4AD. El mánager de Pixies, Ken Goes, era a su vez mánager de Throwing Muses, que ya habían firmado con 4AD un año antes. Aunque al principio no estuvo muy impresionado, Watts-Russell fue convencido por su novia para que los fichase.

Watts-Russell escogió ocho de las diecisiete pistas de The Purple Tape para conformar un EP. Decidió remezclar ligeramente las canciones, en vez de hacer a la banda grabarlas nuevamente. ´Casi todas las canciones que aparecen en el Ep aparecerían regrados en algunos de los álbumes posteriores de Pixies. La única canción que nunca se volvió a grabar fue "Rock A My Soul". Esta canción, junto a las nueve restantes de The Purple Tape que no aparecen en el Ep, saldrían en un álbum titulado Pixies en 2002.

El título del álbum viene de una frase que usaba el cantante y compositor de rock cristiano Larry norman en sus conciertos: "Come on pilgrim, you know He loves you", también utilizado en la letra de la canción "Levitate Me".





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