Para mi uno de los mejores grupos que ha dado España.
El segundo disco de Lagartija Nick, "Inercia" (Sony, 1991), radicaliza los principios ya expuestos en "Hipnosis" (Romilar D, 1991): rock directo, agresivo y complejo. Curiosamente se trata de un disco muy neoyorquiino porque, por un lado, Nueva York es la ciudad natal de una de las influencias más visibles de Lagartija Nick: Sonic Youth, que un año antes editaban "Goo" (SSR, 1990), un trabajo donde reconducían su furia ruidosa a uno de los mejores discos pop de la historia. Esa influencia neoyorquina (o, en general, americana) también se deja ver en las letras de Antonio Arias (yonkies en busca de crack, cocodrilos ciegos que leen del Finantial Times paseando por Wall Street), y, de alguna forma recuerda a "Poeta en Nueva York" de García-Lorca. Aunque, claro, la ecuación Granada-Nueva York-Lorca tendrá en "Omega" (El Europeo, 1996) su clímax, con Enrique Morente.
No muy lejos de allí otro grupo mítico y maldito del indie español (aunque Lagartija Nick siempre se han mantenido en su tierra de nadie personal), Surfin' Bichos, editaban "Hermanos Carnales" (RCA, 1992), trabajo con no pocos puntos en común con "Inercia". Las influencias del grupo de Fernando Alfaro y el de Antonio Arias podrían ser las mismas: Sonic Youth, Pixies y los buenos tiempos de Seatle, aunque Lagartija Nick se ve más seducida por Detroit y sus Stooges. Líricamente Alfaro siempre ha sido más concreto, con un mundo propio muy definido, mientras que el de Arias ha sido más difuso y cambiante (como su música, la evolución que se ve desde "Inercia" en adelante es tremenda). Lo que tienen en común es que tanto Surfin' Bichos como Lagartija Nick se acercan a la "nueva carne". Si "Hermanos Carnales" tiene como inspiración a "Inseparables", la película de 1989 de David Cronenberg, Lagartija Nick canta a J.B. Ballard y, claro, el propio Cronenberg.
Sólo hay que escuchar "Nueva Harlem" o "Esa extraña inercia (anfetamina)" y sus letras amenazadoramente visionarias. "Algo sucio, algo eléctrico" (¿qué es el rock sino algo sucio, algo eléctrico?) podría haber sido perfectamente el título del disco y "Satélite" roba la bajada de guitarra al "I wanna be your dog", de sus queridos Stooges. "Universal" habla de Dylan, de Kerouac y la generación Beat, de Oscar Wilde, del New York Times: de todo lo universal.
"Inercia", en definitiva, incide los principios de su primer disco y así, de la mano de una multinacional, Lagartija Nick firma su primer gran largo.
Antes de empezar a escribir sobre este nuevo trabajo de Richard Hawley, debo reconocer que tengo cierta debilidad por este personaje. Dicho esto para que no sirva de falta de objetividad de el que escribe; también es digo que es material para tomar a pequeños sorbos y en su debido momento para poder sacarle todo el jugo.
Si se va con prisas y buscando hits inmediatos, mejor dejar el CD en la estanteria o ni tan siquiera "comprarlo". Más que nada porque no sabrá degustar esa maravilla de algo más de 10 minutos que es Don't you cry. Es un disco para ponerse, diria yo, en el ocaso del día, cuando el cielo enrojece, mientras su música y su voz plácida y melancólica a partes iguales, te acompañan en el "viaje".
El single elegido, For your lover, gimme some time, canción en una tesitura que hubiera sido perfecta para la voz de Frank Sinatra, es toda una declaración de principios (y vicios), tambien nos hace ver, que el sr Hawley no le importan los entresijos del mercado discográfico británico, ni busca ser un hype de temporada, ni tan sólo acabar sonando en radios medianamente comerciales, él va a su ritmo,, y quien lo quiera, que lo coja.
Para servidor, planea sobre este disco (y lo digo como piropo) la sombra del Johnny Cash de la época Rubin, escuchando esas maravillas que son As the dawn breaks, Soldier On, Dog get hung up in your soul. Tambien el habitual deje en la voz que nos recuerda a Morrissey (cómo en cada disco, tal vez aqui menos evidente) en Open up your door, aqui más de cara al final del tema.
Pero dicho esto y a pesar de todo lo escrito, el disco sólo suena a Richard Hawley, un artista con voz propia, un músico quizás aún muy infravalorado, que es capaz de erizarnos el vello con todos y cada uno de sus trabajos.
Richard David James, más conocido como Aphex Twin (nacido el 18 de agosto de 1971 en Irlanda) es un reconocido productor de música electrónica tocando varios estilos del Techno, Ambient, Acid, Drum and Bass... Este es el primer disco de Richard D. y nos muestra con total claridad la inmensa gama que tienen los sintetizadores sumergidos en un clima ambient y electrónico. “Selected Ambient Works 85-92” es una obra maestra, y uno de los mejores discos de la historia de la música. No menos que eso. Pese a que la calidad del sonido no es la mejor, por ser demos grabados durante la juventud de Richard James, el material que en Selected Ambient Works encontramos es, simplemente, esencial. La gran joya del ‘Mozart del ambient’; todo un clásico ya de la música electrónica. Fue publicado en 1992 en Apollo, subsello de R&S Records.
El álbum rompedor de Blur “Parklife”, cuyo estilos del East End de Londres se inspiraron en la novela de Martin Amis, Campos de Londres (London Fields). El álbum entró en las listas directamente al número uno y catapultó a la banda al estrellato en Reino Unido. El single "Girls & Boys" de estilo nuevaloero dance pop entró en las listas en el puesto quinto; al single le costó quince semanas entrar en las listas estadounidenses, alcanzando el puesto 52, pero el álbum nunca rompió en las listas estadounidenses. La historia fue completamente diferente en Reino Unido, donde Blur tuvo una cadena de hits, incluyendo la balada "To The End" y el himno mod "Parklife", que contaba con la colaboración en forma de narración de Phil Daniels, la estrella de la versión en película de Quadrophenia de The Who. Con el éxito de Parklife, Blur abrió la puerta a muchas bandas británicas que dominaron la cultura pop británica a mediados de los años 90 y que fue etiquetado como Britpop.Elastica, Pulp, the Boo Radleys, Supergrass, Gene, Echobelly, Menswe@ar, Mansun,Suede y otras numerosas bandas se beneficiaron del éxito de la banda. A comienzos del año 1995, Parklife se convirtió en un disco triple platino y la banda se convirtió en superestrellas. La banda estuvo la primera mitad del año 1995 grabando su cuarto álbum y tocando varios conciertos multitudinarios, incluyendo espectáculos en estadios llenos. Febrero de ese año vio como Blur recibía 4 premios en los Brit Awards, por mejor álbum (Parklife), mejor video (Parklife), mejor single (Parklife) y mejor grupo británico. Blur es un grupo de rock alternativo formado en 1989 en Colchester. La banda está integrada por el vocalista / teclista Damon Albarn, el guitarrista / vocalista Graham Coxon, el bajista Alex James y el baterista Dave Rowntree. El grupo se convirtió en una de las bandas más grandes en el Reino Unido durante el movimiento Britpop de mediados de la década de 1990.
Faking Dreams es la nueva propuesta en formato CD con el que la banda Blindfold pretende llegar al resto del planeta Tierra mediante apasionantes armonías. Sigur Rós, Bjork, Mum o Ólafur Arnalds son una buena muestra y un gran ejemplo de dicha escena, y con ellos Blindfold comparte en esencia lo mas característico de estos grupos, es decir, una gran sensibilidad y el amor por las grandes melodías. Y por otro lado habría que citar el aura de Wilco o de Radiohead para orientarnos, ya que aunque se trata de un post-rock con letras cantadas con una tonalidad muy similar a la de Jónsi de SigurRós, en el fondo nos remitimos más hacia el pop intimista que a la música clásica o a la puramente instrumental a pesar de poseer muy buenas orquestaciones y pasajes ambientales. Blindfold tiene muchas papeletas para convertirse en un gran nombre y solo con el tiempo y con algo de suerte sabremos. De momento, disfrutad del disco que ese trata de una propuesta muy interesante.
Su debut, “33%”, es tan sólo la primera parte de lo que él mismo llama su condensada trilogía confidencial. Luego vendrán “66%” y “99%”.
En el disco Pablo Errea entona eufóricos falsetes a las penurias, se viste de noche para ir de picnic al campo, observa en 3D las puestas de sol y coquetea con los dramas existenciales. Así es el universo de The Guinea Pig.
Grabado en cinta analógica y en directo, el mini-álbum cuenta con la voz imantada de Pablo y sus ácidas composiciones, repletas de heterodoxo soul psicodélico, escorzos de country pop e, incluso, canciones de cámara. Arropado todo, por supuesto, por la vigorosa producción de Paco Loco, la ayuda de Remate en mens y corpore y los coros impecables de Muni Camón. Y con Phil Spector, Arthur Alexander y June Carter, entre otros, en su punto de mira.
n 1988 Rick Rubin, un pirado del metal y del punk rock, ya había producido dos clásicos del rap; Raising Hell de Run-D.M.C. y sobre todo Licensed to Ill de Los Beastie Boys con el que habia logrado vender 5 millones de copias. Esta vez dio un giro más de tuerca y dejando aun más continuidad a las guitarras eléctricas, presentes en esos discos, no solo insertando riffs sueltos aqui y alla, sino dejándolas sonar de principio a fin. En este álbum, Public Enemy, Rubin y The Bomb Squad, se empeñaron en arruinar los sueños de los WASP de los años Reagan haciéndoles ver que sus peores pesadillas podían hacerse realidad en cualquier momento. El explosivo estaba en los ghettos y la mecha era este disco. Siguiendo la filosofía punk de toma lo que tengas a mano y arrasa el resto, Public Enemy no deja títere con cabeza y afronta los problemas a los que el hombre negro se enfrenta a diario, enseñando a su raza el orgullo que han de mostrar en todo momento. Public Enemy da al negro americano lo mismo que Farrakhan y Malcom les dieron veinte años atrás pero de una forma más convincente, atrayente y cercana, aquí no hay sitio para Martin Luther. Musicalmente hablando el disco es mucho más cuadrado que los previamente producidos por Rubin, que incluso canibaliza a bandas anteriormente producidas por el -Slayer en “She Watch Channel Zero”- ó simplemente retoma standars rap – el omnipresente “Apache” de Michael Viner en “Security of the First World”-. It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back inició el camino de lo que sería el rap combativo. Considerado como el mejor disco de rap de la historia, meritos no le faltan.
“The Young Lovers”, un trabajo editado por Loungin´Recordings que de verdad significa un cambio significativo en lo que al término nujazz se refiere. Y es que muchas formaciones han sido las que han tratado de usar esta etiqueta, pero muy pocas son las que realmente deben hacer honor de tenerla.
De la formación en si poco sabemos, pero sus tracks hablan por si solos. Por ejemplo, uno de ellos “Free” ha sido usado recientemente por un anuncio de Armani para la tv europea. En definitiva jazz de calidad, de alto standing, con arreglos electrónicos que de verdad le hacen parecer una de las más renovadas y refrescantes novedades de las que hemos podido disfrutar en 2009.
Desde su debut en el legendario club The Hacienda de Manchester al comienzo de la explosión del acid house, Laurent Garnier ha sido uno de los principales exponentes en el desarrollo de la escena musical electrónica. Durante los últimos diez años se ha forjado una gran reputación a nivel internacional al actuar en los mejores clubs y festivales de todo el mundo. Laurent Garnier no es un Dj normal, sus devotos seguidores son capaces de hacer largas colas para verle actuar. Ha sido nombrado mejor Dj del mundo en varias ocasiones y en diferentes publicaciones. Algo debe tener Laurent Garnier que es respetado tanto por los padrinos del techno de Detroit como por la nueva generación de productores y Djs a quienes les ha influenciado enormemente a través de sus sets y de sus temas.
El sorprendente álbum explora diferentes sonidos distintos de los que Garnier estaba acostumbrado. Los sonidos del jazz en City Sphere y en el excelente The Man With The Red Face, sin lugar a dudas de lo mejor de un larga duración que no deja de ser un resultado directo de la experiencia de Garnier en vivo.
Aqui os dejo una de las ultimas sesiones que ha grabado Edu Kortes, una de las nuevas caras de la electronica de Sevilla. Este joven DJ, es locutor del programa de radio Sonidos Distintos, que se emite via internet los viernes a las 8, por la radio de Only House Music. Aparte es el fundador del netlabel SDrecords. Edu esta influenciado por ritmos mas cercanos al deep house, campo, en el que un humilde servidor piensa, que domina bastante bien. Aqui os dejo la sesion, ¡Disfrutad!
Triángulo de Amor Bizarro llevan poco tiempo trasladando los sonidos obsesivos, hipnóticos y violentos que en los últimos ochenta llevaron a los libros de historia a grupos como Telescopes, Jesus And Mary Chain o My Bloody Valentine, a una nueva perspectiva absolutamente personal.
En este tiempo su música se ha enriquecido notablemente, y han pasado de dos prometedoras maquetas a un sonido que les pertenece únicamente a ellos en el que caben determinadas características que les aunan también a Surfin Bichos, Stereolab, el shoegazer con tendencias hardcore, la No Wave y el Kraut. Menos Ride y más Loop, noise controlado y melodías que pasan de la oscuridad a la luz con una naturalidad impropia de un debut.
En directo el grupo aprovecha todas estas cualidades para exponerlas de manera absolutamente brutal, en lo que supondrá un antes y un después en la concepción del indie-rock hispano tras su paso por los escenarios. Hay que escucharlo, pero también hay que verlo; la actualidad corre a su favor.
INI fue un grupo de hip-hop estadounidense conformado por Rass, Rob-O, Grap Luva y Marco Polo. Uno de los discos de INI, Center of Attention, es uno de los dos incluidos en Lost & Found: Hip Hop Underground Soul Classics, un doble LP con producciones de Pete Rock de mediados de los noventa, cancelado en su momento por Elektra Records y lanzado más tarde por Rapster Distribution en 2003. El propio Pete Rock aparecía en el tema single del disco, Fakin' Jax. También aparecían, en el tema To each his own, Large Professor y Q-Tip. El álbum Center of Attention es uno de los discos no publicados más pirateados de la historia del hip-hop. A pesar de que Pete Rock no es miembro oficial del grupo, se le considera sinónimo con él, ya que produjo Center of Attention enteramente, además de que el MC del grupo Grap Luva es su hermano pequeño.
El segundo trabajo de Fran Fernández en solitario. ‘El perro es mío’ da título a once nuevas canciones que hemos podido ir degustando en pequeñas dosis con las demos que iban siendo colgadas regularmente en MySpace.
‘Erasmus borrachas’, el que iba a ser originalmente el título del álbum, es un éxito inmediato que tiene todo lo que tiene que tener un buen single. ‘Inditex’ o ‘Brackets’ son otros de los temas que se sostienen por sí mismos y se defienden airosos entre todos los públicos. Aunque quizá, las perlas de ‘El perro es mío’, las que tocan la fibra y dejan K.O. de verdad, son ‘Traficando’ y ‘Nombres y teléfonos’. Melodías y arreglos perfectos con la carga melancólica suficiente para sufrir y disfrutar con ellas una y otra vez, una y otra vez…
‘Mereces toda mi atención’ es una rumba con aires caribeños y un toque, me atrevo a decir, andino gracias a la magnífica flauta de Martha Perry que llamar, llama toda la atención, pero es que además te engancha de la forma más inesperada. Echo de menos ‘Jekyll y Hyde’, incluida en las demos pero no en el disco. Uno de los grandes temas entre las maquetas de este álbum que no sabemos si algún día verá la luz.
Ricardo Vicente es una pieza fundamental en Francisco Nixon. Aparte de los coros e instrumentación en las canciones de Fran, esta vez aporta hasta tres temas sobresalientes con melodías increíbles y letras directas pero con esa vuelta de tuerca inesperada que las hace completamente adictivas, aún más imprescindibles. De elegir, me quedo con ‘Museo Británico’, de las mejores de Richi y de las que más se te agarran del disco entero.
‘El perro es mío’ fue grabado el verano pasado en los estudios Odds del Puerto de Santa María de Cádiz, ha sido masterizado por J.M. Rosillo y producido por Paco Loco y los mismos Fran Fernández y Ricardo Vicente.
Cut Copy son australianos, pero por su música podrían perfectamente ser británicos, alemanes, franceses o suecos. Las canciones de su segundo disco ‘In Ghost Colours’ podrían definirse como discopop, pero con un lado sombrío. Digamos que es música de discoteca, pero que evoca simultáneamente las luces de colores sobre la bola de espejo y los rincones más oscuros y sórdidos. La referencia más clara de su música son los New Order de los últimos ochenta, los del gran ‘Technique’, incluidos esos aires acid y balearic tan de moda entonces, y lo muestran sin reparo alguno (con orgullo, casi diría yo) en los singles "Hearts on fire" y ‘Lights And Music’, o en la genial ‘Out There On The Ice’. Pero a menudo afloran también unas guitarras y melodías que los emparentan con la psicodelia de Of Montreal, y que se hacen más patentes en los números más rock, como en ‘Unforgettable Season’ o ‘So Haunted’.
En su primer álbum, ‘Bright Like Neon Love’, se percibían intenciones similares pero nunca con el afinado instinto melódico que sí demuestran aquí, un exquisito gusto por las melodías que es la nota predominante en todo el álbum y el vínculo entre los temas más dance, los rockeros y los etéreos. Lamentablemente, no estamos ante un clásico instantáneo por dos motivos: el primero es que hay ciertas frases en sus letras (como el estribillo de ‘Lights And Music’: “Lights and music are on my mind / be my baby one more night”. De traca, oiga.) que te hacen optar por no escucharlas ante el peligro de desencanto; el segundo es que abusan de intros, outros y preludes, que restan dinamismo al conjunto, pudiendo haber dejado los 49 minutos de un muy buen disco en 40 minutos de candidato a podio de este año. Sea como sea ‘In Ghost Colours’ está repleto de trallazos absolutos e incontestables, perfectamente válidos para sudarlos en la pista de baile o para evadirse de la cruda realidad, dejándose elevar en la nube de dancepop tóxico y mágico de Cut Copy.
Machine Head es el sexto álbum de estudio de la banda inglesa de Rock Deep Purple. Fue grabado en el Grand Hotel de Montreux, Suiza, en diciembre de 1971, y editado en mayo de 1972.
Este álbum es a menudo citado como uno de los más influyentes en el posterior desarrollo del Heavy Metal. Es el trabajo más exitoso de la banda, alcanzando el número uno en varias listas de éxitos internacionales gracias, en parte, al tema "Smoke on the Water", uno de los temas más conocidos de la banda, con uno de los riffs más identificables del rock.
En 2001, la revista Q lo catalogó en el puesto 50 de su lista de Los álbumes más pesados de todos los tiempos.
No acostumbro a subir canciones sueltas al blog, pero me he encontrado esta de uno de los maestros del jazz, Lionel Hampton, y he decidido compartirla con vosotros. Espero que la disfruteis.
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (en español, El ascenso y la caída de Ziggy Stardust y las arañas de Marte) o también conocido simplemente como Ziggy Stardust, es un álbum conceptual publicado por David Bowie en 1972. Fue el disco con el que el artista consiguió llegar a las grandes audiencias y está considerado uno de los mejores álbumes de su carrera y el más representativo del glam rock.También ha sido incluido en la mayoría de las listas de los mejores discos de la historia del rock que elabora la prensa especializada y ha influido a numerosos grupos y artistas desde que se publicó
El álbum narra la historia de Ziggy Stardust, un extraterrestre bisexual de imagen andrógina que se convierte en estrella del rock con el que Bowie quiso combinar la ciencia ficción y el teatro japonés kabuki. Este personaje fue el primer álter ego que adoptó Bowie en su carrera, al que posteriormente seguirían otros como Aladdin Sane o el Duque Blanco. El disco comienza con Ziggy revelando a los habitantes de La Tierra que sólo quedan cinco años para que su planeta desaparezca, tras lo que decide convertirse en un «mesías rock» para salvarlo de la destrucción. Finalmente termina por abandonar sus objetivos y siendo víctima de su propio éxito.
El propósito de Bowie al concebir el personaje fue adaptar el concepto de los musicales de Broadway al rock, creando una estrella prefabricada que aunara elementos de ambos géneros. Para dotar de una mayor teatralidad a su puesta en escena, utilizó las técnicas que aprendió durante su etapa como actor en la compañía teatral del performer y mimo Lindsay Kemp, quien también fue el responsable de la coreografía de Ziggy y el grupo durante sus conciertos.
Para crear el personaje, Bowie se inspiró en el excéntrico cantante británico de rock'n'roll Vince Taylor, a quien conoció personalmente a mediados de los años 1960. El estilo de Taylor estaba fuertemente influido por Elvis Presley y en 1959 logró un notable éxito con el single Brand New Cadillac, que años más tarde versionarían The Clash en su álbum London Calling. En sus conciertos, Taylor salía a escena enfundado en cuero negro, maquillado y moviéndose espasmódicamente. En la época en la que conoció a Bowie, deteriorado por su adicción a las drogas y el alcohol, creía conocer los lugares exactos del mundo en los que supuestamente aterrizarían OVNIS y proclamaba en sus conciertos que era la reencarnación de Jesucristo.
Sobre el motivo por el que Bowie escogió el nombre de Ziggy para su personaje hay varias teorías. El propio artista afirmó en su momento que el nombre estuvo inspirado en una sastrería de Londres llamada de esta forma, aunque más tarde declararía a Rolling Stone que lo eligió por ser el único nombre cristiano que comenzaba con la letra Z. Otras fuentes han señalado la similitud del nombre y los de Iggy Pop y la modelo Twiggy, ambos amigos suyos y por quienes siempre ha sentido una admiración declarada. También se ha apuntado como origen del nombre su amistad con Marc Bolan durante los últimos años 60, quien había planeado adoptar el sobrenombre de Zinc Alloy ante un hipotético fracaso de T. Rex. En este caso, Ziggy sería una combinación entre la Z de Zinc e Iggy.
El origen del apellido Stardust está más claro, ya que Bowie ha comentado en varias ocasiones que lo tomó en honor a Norman Carl Odmon, un cantante country que en sus conciertos se presentaba como The Legendary Stardust Cowboy.
Para crear la andrógina imagen de Ziggy Stardust, Bowie se inspiró en el maquillaje y la puesta en escena del kabuki, contando para ello con el diseñador de moda Kansai Yamamoto, quien fue el encargado de crear toda la ropa que luciría Ziggy en sus conciertos. También el característico peinado del personaje lo inspiró Yamamoto, ya que Bowie decidió cortarse el pelo de esta forma tras ver unas fotografías en la revista Harper's Bazaar en las que el diseñador japonés usó pelucas que imitaban la melena de los leones al estilo kabuki para sus modelos.
Además de otros grupos de glam rock anteriores que lucían una imagen ambigua como T. Rex o New York Dolls, otras influencias en la estética de Ziggy Stardust fueron la por entonces reciente película La naranja mecánica y la imagen de las drag queens que frecuentaban la Factory de Andy Warhol, círculo en el que Lou Reed introdujo a Bowie poco antes de la gestación del álbum.
Grand Funk Railroad es una banda estadounidense frecuentemente bajo la modalidad de Power trio. Un gigante de los 70s; poco valorado por los críticos. La alineación original de Grand Funk fue muy popular durante la década de los años 1970, habiendo vendido más de 25 millones de discos y actuando en escenarios del mundo entero. También fueron galardonados 4 veces por la RIAA en 1970, caso único en cualquier grupo norteamericano en aquel año. También fueron citados como "la banda de rock and roll más fuerte del mundo". La alineación de Grand Funk usa el sobrenombre de "La banda americana", de su primer canción éxito "We're an American Band".
Jeff Mills , nacido el 18 de junio de 1963 en Detroit, es un músico y deejay de música electrónica.
En los años 80, Mills comenzó su carrera musical como DJ bajo el seudónimo "The Wizard" (El Mago), apodo dado en relación a su gran habilidad como mezclador. Sus sesiones eran uno de los platos fuertes del programa de radio nocturno de The Electrifying Mojo, influyente locutor que inspiró a la primera generación de productores de techno. Las sesiones de Jeff Mills combinaban una forma de mezclar pionera, que utilizaba trucos clásicos del hip hop junto a otras técnicas avanzadas, y todo ello al tiempo que mezclaba temas de Detroit techno oscuro, Miami Bass, house de Chicago o clásicos de New Wave.
Jeff Mills forma parte de la llamada "segunda ola" de Detroit techno. Creativamente, Mills comenzó produciendo a través del colectivo techno Underground Resistance junto a Mike Banks, un antiguo guitarrista del grupo Funkadelic. De forma similar a cómo lo había hecho unos años antes el grupo de rap Public Enemy, Mills y Banks se enfrentaban desde esta plataforma contra la industria musical con un discurso consciente y estrictamente anti comercial, de fuertes raices negras y con una estética futurista.
Mills dejó UR hacia 1992. En esta época creó junto a Robert Hood el sello discográfico Axis en el que publicó desde entonces un techno de corte fuertemente minimalista. Nuevos subsellos fueron creados más adelante, como Purpose Maker o Tomorow. Desde entonces no ha dejado de producir, sin dejar de lado su faceta de DJ. Ha sido considerado como uno de los mejores DJs de techno de la historia por su excelente habilidad. Para sus sesiones suele utilizar tres platos, normalmente una caja de ritmos Roland TR-909 y pincha aproximadamente 70 discos a la hora.
JEFF MILLS junto a la MONTPELLIER PHILHARMONIC ORCHESTRA presentó un espectáculo único e irrepetible. La interpretación de temas de JEFF MILLS con una orquesta sinfónica. El lugar; el impresionante puente ´Pont du Gard´ de Montpellier que celebraba sus 20 años como patrimonio de la humanidad. Mills ya recreo en dimensión ´sinfónica´ su ´score ´ de la película de Fritz Lang ; ´Metrópolis´ y Three Ages de Buster Keaton; pero esta es la primera vez que con más de 15 años de carrera sus temas como ´Gamma Player´; ´ Medium C´; ´The March´; ´Sonic Destroyer´ y ´Amazon´ desde sus días con Undergound Resístanse se gravan e interpretan en clave ´clásica.
Queens of the Stone Age (también conocidos como QOTSA o, simplemente, Queens) es una banda estadounidense de hard rock originaria de Palm Desert, California. Fue formada en 1997 por Josh Homme, dos años después de la desintegración de Kyuss, su banda anterior y contó con la participación de sus ex compañeros Nick Oliveri y Alfredo Hernández.
A finales de 2001 y comienzos de 2002 Homme logró reclutar a Dave Grohl de nuevo en una batería para grabar un álbum después de su pasado en Nirvana. Con respecto a Grohl, si es o no un miembro fijo, Homme responde que "él está en su propia banda, Foo Fighters. Creo que ésa es su prioridad. Lo que hicimos juntos fue cosa de un momento, como si buscáramos el momento clásico, ideal. Lo haces porque no pasa muy a menudo. Ésa es la sensación que hemos tenido desde que somos amigos y ahora lo plasmamos en un disco. Creo que Dave toca la batería para que nadie se olvide de dónde viene, de qué es lo que ha hecho siempre. Estamos muy contentos de tenerlo." El sonido pesado del stoner rock y las continuas comparaciones con Nirvana se acentúan con la inclusión de Grohl y de otro de los músicos importantes del grunge de comienzos de los 90 en Seattle: Mark Lanegan, vocalista de la banda de grunge Screaming Trees, grupo con el sello de Sub Pop Records. También se une a la banda el guitarrista Troy Van Leeuwen, ex-miembro de A Perfect Circle.
Con Songs for the Deaf, QOTSA logra el éxito definitivo a nivel internacional, gracias, en parte, al buen cartel que significaba contar con Grohl en la batería.[17] Tres singles fueron extraídos del disco: "No One Knows", "Go with the Flow" y "First It Giveth", lo que le valió conseguir estar entre los veinte primeros del Billboard 200 de 2002. El disco consiguió el disco de oro en Estados Unidos habiendo vendido 900.000 copias en 2003. A pesar del gran éxito del álbum, Grohl regresó a sus proyectos personales durante la gira europea de la banda y fue sustituido por Joey Castillo.
Saint Germain es el nombre artístico del músico francés Ludovic Navarre, con el que ha publicado tres álbumes. De su primer disco Boulevard ha vendido más de 300.000 y de Tourist ha vendido más de 200.000. El estilo de Saint Germain es una mezcla nu jazz, acid jazz y house. Considerando los tres álbumes en conjunto, se aprecia un mayor protagonismo del jazz en perjuicio del house.
Aunque Navarre es el líder de la banda y la persona que se encarga de la parte electrónica, también han participado en Saint Germain los siguientes instrumentistas:
La formula se repite desde hace muchos años. Antes la música cubana nos llegaba por barco en forma de estilo musical (Habaneras) o de cantantes históricos (Antonio Machín), más tarde un reportero destapo el tarro de las esencias que se ocultaba en la ciudad de Santiago de Cuba; como consecuencia La Vieja Trova Santiguera viajaba por toda Europa en los años 90' fascinando con sus voces que parecían resonar a través de un viejo gramófono. El fenómeno Compay Segundo fue lanzado a continuación por un productor que dominaba el mercado anglosajón; Nick Gold y Ry Cooder aunaban fuerzas aprovechando el tirón y todo el mundo descubrió la fuerza de la fusión cultural por la que Cuba fascina.
Ahora dos neófitos productores ejecutivos Zack Winfield y su colega Ado Yoshizaki, repiten la jugada de unir la técnica de afamados productores musicales de vanguardia del Reino Unido y los EE.UU como Norman Cook (Fatboy Slim), Rich File (UNKLE), Poet Name Life (Black Eyed Peas), Guy Sigsworth (Bjork, Madonna), Marius De Vries (Sugarcubes, Björk, Massive Attack), y Cameron McVey & Jan Kybert (Massive Attack, Portishead) con eficaces músicos de estudio cubanos y el talento de una serie de jóvenes y experimentados cantantes nacidos en la isla como Orishas, el dúo de hip hop Anónimo Consejo, Aridai Vega Martín o el cuarteto vocal Sexto Sentido. Todo esto ha generado este sorprendente trabajo: The Revolution: “Presents Revolution”.
Daydream Nation es el quinto álbum de estudio de Sonic Youth, lanzado en 1988. Fue un éxito, en un gran número de publicaciones, incluyendo Rolling Stone, Spin Magazine, y Pitchfork Media lo galardono como uno de los mejores álbumes de los años 80. Consecuentemente, es considerado como un hito de la música alternativa de los 80.
Daydream Nation representa una primera conversión de estilo para Sonic Youth, desde sus raíces Noise-Rock, hacia una sutil combinación de experimentación con guitarra y el Rock tradicional. La portada mismo, evoca esta transición, con el cuadro de 1983 del pintor fotorealista Gerhard Richter, que lleva por título Kerze ("candle"). La contraportada es un cuadro similar, de Richter, pintada en 1982.
Sin embargo, las ventas iniciales fueron pobres, en parte porque Enigma Records, discográfica de Sonic Youth, quebró poco después del lanzamiento del disco. Después de que un período fuera de la impresión, Daydream Nation fue reeditado por DGC en 1993, que había firmado un contrato con la banda debido a las grandes criticas cosechadas por el álbum. El single, "Teen Age Riot", permaneció posteriormente en las listas de Billboard Music Charts en los E.E.U.U., ocupó el puesto #20 en la listas de Modern Rock Track Charts.
Vuelven estos prolíficos monitos del ártico británicos al mercado del disco, chavales post-adolescentes saludados alborozadamente un año antes con su debut por los medios de su país, tan dados a bautizar mesías del rock cual SantosJuanesBautistas en el Jordán.
Sus sonidos no son más que remedos de agitadas propuestas previas garage-punk, brit-pop, post-punk y new wave, mixturados con otros conjuntos contemporáneos, coctelera nervuda de Libertines, XTC, White Stripes, Blur, Stranglers, y Franz Ferdinand.
El acercamiento a sus referencias es cerril y acelerado, las melodías por lo general resultan anodinas, los textos, más ensombrecidos que en el previo álbum, apuntan inofensivas estampas urbanas y personajes en ocasiones expuestos en aprietos existenciales, pero recargan fragmentaciones sin calado, sin significación a nivel lírico, sometiendo su valía a una agresiva propuesta instrumental, con riffs garajeados, enfoque bailongo-botellón, percusión meneada, guitarras zumbantes y angulares, vocalidad puntualmente neurótica, bajos palpitantes de esencia funk…
Su derivación no implica ausencia de temas de cierto reconforte e instantaneidad, que sirvan para una regular oscilación cabezal y movimiento pezuñero.
En especial el inicio del álbum, con una sucesión de piezas belicosas de alto ritmo, como “Brainstorm”, “Teddy Picker” y “D is For Dangerous”, canciones sudorosas de jadeante achicleo escapista, cabrioleo y esparcimiento juvenil.
Curtidos ya en cien batallas, el Shock de Leia es una vuelta de tuerca más en la carrera particular de Antonio Arias, que ladrillo a ladrillo va cimentando la trayectoria de un grupo, que ya a estas alturas, tendrá su altar propio en el santuario del rock nacional.
Evolución y búsqueda, son los dos términos que definen la filosofía de Arias, nunca sabremos con que mágica pócima nos va a sorprender, habiendo dejado atrás sonidos más hardcore, metálicos e industriales, Antonio ahora da un giro hacia sus orígenes, ecos de “Inercia” y “Su”.
Con el grupo reducido a cuarteto; Antonio, Eric Jiménez, Lorena Enjuto y Víctor Lapido, despachan un disco directo e inmediato, canciones que pegan fuerte en la primera escucha, guitarras afiladas y textos inteligentes, imposible no ver la influencia 091 en algunas melodías, herencia que aun hace mas grandes las canciones.
14 temas brillantes, sin relleno alguno. De entre todas ellas, destaca la que da título al disco, con voces y coros de miembros de Lori Meyers.
"He advertido a los que habitan el infierno de la luz..."
Tras su anterior grabación conjunta titulada "The Idiot", la pareja David Bowie y uno de sus grandes ídolos musicales, Iggy Pop, el ex líder de los Stooges, vuelven al estudio de grabación para realizar uno de los mejores trabajos de la más famosa iguana de Ypsilanti.
Gracias a la producción y composición musical en muchos temas de Bowie, que también colabora en piano y coros, el ejemplar dúo rítmico de Tony y Hunt Sales y las guitarras de Carlos Alomar y Ricky Gardiner, Iggy Pop graba un cimbreante disco de sobresaliente ejecución vocal, abierto con el vertiginoso compás del clásico "Lust for life", al que siguen arrebatadoras canciones pop de tenue maquillaje rock, como la sensual, dominada por un pegadizo riff, "Sixteen", el rock de abrumadora carga energética de "Some Weird Sin", el hipnótico recorrido del clásico "The Passenger", "Tonight", pieza que posteriormente el camaleónico artista británico versionaría junto a Tina Turner (en una adaptación inferior a la de Iggy) o la canción que cierra el disco de alegre y sugerente ritmo de teclado, cantada con un gran cinismo por Iggy y titulada "Fall in love with me".
En algún lugar de Nancy, Francia durante el 2003 Jeremie Malisz, curtido bateparches de Wangs y Thundercrack (con dos discos en Estrus), resuelve llevar a cabo un experimento. Amante del noise, la genética molecular y el R&R, decide continuar como onemanband bajo el seudónimo de King Automatic, para lograrlo se recluye en su laboratorio sonico llevando adelante un impío experimento logrando alterar su ADN. ¡Con todos ustedes el increible hombre - orquesta!
Sex Pistols es una banda de punk rock formada en Londres en 1975. Es la responsable de haber iniciado el movimiento punk en el Reino Unido y de inspirar a muchos músicos de punk y rock alternativo.
Los miembros de Sex Pistols eran originalmente Johnny Rotten, el guitarrista Steve Jones, el batería Paul Cook y el bajista Glen Matlock. Matlock fue reemplazado por Sid Vicious a principios de 1977. Con el empresario Malcolm McLaren como mánager, la banda organizó controversias que cautivaron al Reino Unido. Sus conciertos frecuentemente se topaban con dificultades con los organizadores y las autoridades, y sus apariciones públicas a menudo acababan en caos. Su sencillo de 1977 «God Save the Queen», que atacaba el conformismo social de los ingleses y el respeto a la corona, precipitó la «última y mayor ola de pandemónium moral basada en el pop».
En enero de 1978, al final de una turbulenta gira por Estados Unidos, Rotten dejó la banda y anunció su disolución. En los meses siguientes, los tres miembros restantes de la banda grabaron una serie de canciones para la película sobre la versión de McLaren de la historia de la banda, The Great Rock 'n' Roll Swindle. Vicious murió de una sobredosis de heroína en febrero de 1979. En 1996, Rotten, Jones, Cook y Matlock se reunieron para el Filthy Lucre Tour; desde 2002, se han vuelto a reunir para giras y conciertos en varias ocasiones. El 24 de febrero de 2006, Sex Pistols fue incluido en el Salón de la Fama del Rock, aunque se negaron a asistir a la ceremonia, llamando al museo «una mancha de pis».
Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols fue el primer y único álbum de estudio de la legendaria banda punk Sex Pistols. A día de hoy es considerado uno de los trabajos musicales más influyentes del punk y el rock and roll en general. La traducción más acertada al español del título del disco sería Nos importa un huevo, aquí están los Sex Pistols o Nos chupa los cojones, aquí están los Sex Pistols.
El álbum fue editado en el Reino Unido el 28 de octubre de 1977 por la discográfica Virgin Records causando inmediatamente controversia por la inclusión de la palabra "Bollocks" (testículos en inglés británico informal) en el título. Pronto, se iniciaron acciones legales para censurar el nombre y prohibir la exhibición del álbum en las tiendas de discos, como ya había hecho el dueño de Virgin Records Richard Branson en su local de Nottingham. El 24 de noviembre de 1977, el abogado defensor de Branson y los Pistols, John Mortimer, logró demostrar al jurado que la palabra "bollocks" era un uso legítimo en inglés antiguo para decir sacerdote, por lo cual, simplemente no tenía ningún sentido en el contexto del título. Ante la validez del argumento de Mortimer el jurado sentenció que: Much as my colleagues and I wholeheartedly deplore the vulgar exploitation of the worst instincts of human nature for the purchases of commercial profits by both you and your company, we must reluctantly find you not guilty of each of the four charges
(en español: por mucho que mis colegas y yo deploremos la explotación de los peores aspectos de la naturaleza humana con el fin de lograr beneficios comerciales como la hace usted y su compañía, debemos a regañadientes encontrarlo inocente de los cuatro cargos)
Sin embargo, mucho mayor fue la controversia generada por las letras de "Anarchy in the U.K." y "God Save the Queen", así como el arte de portada de Jamie Reid para el sencillo de esta última. Ambas canciones fueron marcadas como insultos a la sociedad civil y a la monarquía y particularmente "God Save the Queen" hacia la reina Isabel II. Ante esto, el vocalista Johnny Rotten y el gutarrista Steve Jones insistieron en afirmar que el ataque no era hacia la reina en particular sino que hacia el gobierno británico en general. De cualquier manera, la controversia no hizo más que aumentar las ventas del álbum.
Otra canción que causó revuelo en el Reino Unido fue "Pretty Vacant", sin embargo en este caso no por su letra sino por la peculiar pronunciación de Johnny Rotten en la palabra "vacant". Su exagerada acentuación en la sílaba "cant" emulaba fonéticamente a la palabra "cunt" (un vulgarismo inglés para decir vagina, traducible al español como "coño"). A pesar de las suspicacias, Rotten nunca admitió que esa haya sido su intención.
Never Mind the Bollocks también marcó un punto de inflexión en el punk rock por la producción musical. El productor Chris Thomas se esmeró en trabajar el sonido clarificándolo y agregando guitarras a las grabaciones originales en lugar de lanzar el álbum con la música sin refinar como era característico en los grupos del género. Esta movida causó cierto rechazo por parte de algunos sectores del mismo.
Muchas versiones anteriores de los temas habían sido emitidas en el Bootleg Spunk, editado poco antes del lanzamiento de Never Mind the Bollocks.
El Ten Eleven se formo en California en 2004 de la mano del compositor y bajista Kristian Dunn y el bateria Tim Fogarty. El grupo solo utliliza la bateria y un bajo de doble maltil.Su estilo varia entre el Post Rock y el Inide Rock. Todo ello mezclado con pedales de efectos que no dejan indeferente a nadie. Juzgadlo vosotros mismos.
The Herbaliser es una banda musical de Jazz / hip-hop formada por Ollie Teeba y Jake Wherry en Inglaterra al comienzo de la década de 1990s. Actualmente es uno de los grupos más afamados y exitosos del sello independiente Ninja Tune. Han publicado 8 LPs, que incluyen 2 remixes para DJ: uno para Ninja Tune's Solid Steel series y el otro - publicado en febrero de 2006 - para Fabric's Live Mix series.El dúo formado por Jake Wherry y Ollie Teeba ha evolucionado bastante en sus 15 años de historia. Primero, hacían beats instrumentales, breaks y samples. Después añadieron rapperos como vocalistas colaboradores. Más tarde, ya como favoritos de muchos festivales de música, su formación creció hasta ser una mini-orquesta con abundantes arreglos y adaptaciones musicales para la ocasión. El eclecticismo estilístico es la base fundamental del grupo. Su último álbum, Same As It Never Was builds, se fundamenta en las raíces del hip-hop de la banda, mezclándolo con jazz, funk, R&B, pop e incluso influencias de bandas sonoras de películas. El jazz instrumental de John Barry, David Axelrod y Quincy Jones también ha marcado al grupo.
En las canciones del grupo han participado muchos vocalista de músicos invitados, como Jean Grae, Roots Manuva, MF Doom, Seaming To, Rakaa-Iriscience, Blade, Phi Life Cypher, Bahamadia y Dream Warriors. En su destacado álbum Blow your headphones, de 1997, participó la afamada rapera Jean Grae, conocida como What? What?.
Ollie Teeba ha grabado también con Jonny Cuba de Dynamic Syncopation, en la banda llamada The Process.
Telekinesis! es, a pesar de los orígenes de la banda, tremendamente europea: influida por la calidez de la melodía propia del pop británico y francés, con claros ejemplos como el single “Akward Kisser“, una breve pieza de poco más de minuto y medio con la voz reverberante de Lerner refrescando el ambiente.
Sin embargo, la mano de Chris Walla en la producción se nota y mucho. Las guitarras inundan sus hits más inmediatos como “Coast of Carolina“, “Tokyo“, “All of a Sudden” o “Foreign Room” y convierten este disco en un claro exponente del indie de los 90.
Quizás ahí reside tanto la lacra que arrastra este disco como su propio encanto, porque si bien está claro que se mete de cabeza en un género simplón y trillado hasta decir basta, es lo suficientemente listo como para copiar sus mejores cualidades y deshacerse de lo malo. De ahí que haya poco que despreciar de los once temas que componen este álbum. Además, por si éste se hiciera corto, en la edición que nos va a llegar a nosotros tendremos a cambio de la espera unos cuantos temas de bonificación, incluida una toma de “Coast of Carolina” tal como fue concebida antes de formar parte del LP, y algún que otro tema del EP previo del grupo.
Desde luego este disco no ha descubierto la pólvora. Es genérico hasta la médula pero hay en él muy poco o nada a reprochar y sí mucho que disfrutar de sus pegadizas canciones. Os recomiendo su escucha en los lugares más calurosos de la geografía española para paliar un poco los efectos de este verano asesino que estamos pasando. Para todo puede servir la música.
Bien...¿Por donde empezar? Nacido en Banbury (Oxfordshire, Inglaterra) en 1970, Richard Hawtin emigró con su familia a los 9 años a Ontario donde su padre trabajaba como técnico en robótica. Desde los 15 años asistía regularmente a los clubes de la vecina Detroit. Y a los 17 ya era DJ de The Shelter, un oscuro club de Detroit donde se mezclaba techno y música industrial. Al poco se pasó a la radio donde hacía un programa inspirado en el otrora locutor de radio detroitiano, The Wizard, es decir Jeff Mills. Aunque por aquel entonces le gustaba el 'breakdancing' y el electro, en seguida se vio seducido por los padres del techno de Detroit, Juan Atkins, Derrick May y Kevin Saunderson a los que intentaba imitar junto a su amigo John Acquaviva a través de la creación de su propio sello Plus 8 Records. Plus 8 empezó a ganar en consideración con un catálogo de hard techno en el que figuraban nombres como Speedy J, Dan Bell o Kenny Larkin. Y que junto al resurgimiento de Underground Resistance supuso el comienzo de la segunda época de Detroit. En 1993, las fiestas que Richie Hawtin organizaba en Detroit se habían convertido en auténticos acontecimientos en los que los clubbers bailaban extrañamente en oscuros almacenes con las paredes decoradas con plásticos. De aquí sacaría Richie su alias de Plastikman, con el que intentó captar el espíritu de las fiestas en el álbum Sheet One publicado en Novamute en el 93, y al que le seguiría el brillante Spastik, un hit que traspasaría el tiempo y que fue grabado dos semanas después de asistir a una sesión del mítico Derrick May.
Desde entonces Plastikman es el artista conceptual, y Richie Hawtin el DJ y embajador de la música electrónica actual. Aunque no debemos dejar de lado su careta F.U.S.E. con la que grabó algún Warp primerizo. Cualquiera que sea su faceta, Hawtin ha demostrado sobradamente ser un auténtico innovador. Desde su alias Plastikman y a través de sus sellos Plus 8 y Minus ha contribuido a darle al techno algunos de los trabajos más hermosos y minimales de todas las épocas. Además Hawtin ha sido un auténtico embajador, junto a su compañero de Plus 8, John Acquaviva, de las nuevas tecnologías aplicadas a la música con su apuesta por el nuevo equipo Final Scratch, un sistema de DJing completamente revolucionario que permite al DJ pinchar con vinilo y sobre dos platos tradicionales temas almacenados de forma digital en un ordenador. Con lo que se consigue que, sin perder el feeling y la inmediatez sensorial del vinilo, se pueda tener acceso instantáneo a miles de temas que el DJ introduce previamente el ordenador (normalmente un portátil).
Justo cuando el fenómeno Hawtin se iba internacionalizando, las autoridades norteamericanas le prohibieron la entrada en USA durante 18 meses, por estar trabajando ilegalmente. Como consecuencia de esto, hubo una evolución en su música diferente a la que se hubiera producido de haber podido continuar sus incursiones en Detroit. Empezó a grabar la serie Concept de la que publicó un EP cada mes durante un año, y que le permitió explorar nuevos caminos sonoros. Aquello fue el comienzo de su álbum Consumed (Novamute 1998), en el que incluía más bajos y melodías, inspirados en las esculturas de Arnish Kapoor y en las pinturas de Mark Rothko. Consumed le elevó internacionalmente a la categoría de artista, gracias a su instalación musical creada junto al escultor Anish Kapoor (del que ya hemos comentado que Richie es un gran fan), para la French Millennium Exhibition.
Después de más de una década de carrera no sorprendió a nadie su reconstrucción del concepto de mix álbum con el DE9: Closer to the edit publicado en Novamute a finales del 2001. Ya, en su primer álbum, publicado en las Mixmag Live series, hizo uso de efectos especiales y cajas de ritmos, al igual que hiciera para el Decks, EFX & 909 de 1993. Pero en DE9 Richie avanzó un paso más en la reconstrucción de más de 100 temas armado con un sampler con el que capta la esencia de cada corte para luego recomponerlo todo mediante efectos de edición de una forma en la que se percibe la esencia de los temas que utiliza a pesar de que apenas se puede reconocer ninguno en su forma original.
Cinco años más tarde volvería a recuperar su alias de plástico para facturar Closer nuevamente en Novamute. Según la sección Sonorama de esta misma web: "Closer es una banda sonora intimista, claustrofóbica, silenciosa, pausada que desemboca en una vuelta a los ritmos tribales ancestrales para luego ceder el testigo a elementos sonoros puramente electrónicos". En 2004 volverá al Sónar de noche acompañado de su amigo Ricardo Villalobos con el que compartió una especie de live que causó mucha expectación y revuelo. En 2005 volvió para cerrar el Sónar en la pista al aire libre dedicada al sello Minus. Por cierto, que 2005 le devuelve al ruedo editorial con un nuevo experimento, DE9:Transitions, la tercera parte de su personal serie de mixes en las que el canadiense ensambla una cantidad ingente de loops originarios de otros productores -como el madrileño Alex Under que cuela varios trozos de Tercer collage-. La serie se inició con las entregas Decks, EFX & 909 y DE9: Closer to the Edit en las que el canadiense se mueve como pez en el agua manipulando y confundiendo la técnica del Dj y sus mezclas, con la del arte del bootleg. Hawtin utiliza la tecnología más puntera - Abelton Live y DigiDesign ProTools- para servir hasta 95 minutos de minimal cristalino. Minus se convierte poco a poco en la punta de lanza del nuevo sonido minimal enfocado a la pista que domina el mundo tal y como se puede comprobar en el documental producido por la publicación Slices: Pioneers of Electronic Music - Vol. 1, A Documentary Film About Richie Hawtin.
Este es un video sobre Hawtin, en 2008 en Dortmund ( Alemania ), pinchando en la Love Parade de 2008....SIN PALABRAS
Inspirada por su trabajo previo como The Knife pero sin la ayuda de su hermano Olof, Karin Dreijer Andersson aprovechó el obligado hiato de su segunda maternidad para dar a luz a Fever Ray, un proyecto con un trabajo bajo el mismo título, en el que explota el alud de sensaciones y emociones del momento, sacando todo el provecho posible de las horas sin dormir o el dormir entre horas. Más temperamental y duro que The Knife, pero igualmente fiel a la combinación de instrumentos acústicos y electrónicos, esta sueca de voz inconfundible lleva el pop alternativo a su propio terreno.
