No acostumbro a subir canciones sueltas al blog, pero me he encontrado esta de uno de los maestros del jazz, Lionel Hampton, y he decidido compartirla con vosotros. Espero que la disfruteis.
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (en español, El ascenso y la caída de Ziggy Stardust y las arañas de Marte) o también conocido simplemente como Ziggy Stardust, es un álbum conceptual publicado por David Bowie en 1972. Fue el disco con el que el artista consiguió llegar a las grandes audiencias y está considerado uno de los mejores álbumes de su carrera y el más representativo del glam rock.También ha sido incluido en la mayoría de las listas de los mejores discos de la historia del rock que elabora la prensa especializada y ha influido a numerosos grupos y artistas desde que se publicó
El álbum narra la historia de Ziggy Stardust, un extraterrestre bisexual de imagen andrógina que se convierte en estrella del rock con el que Bowie quiso combinar la ciencia ficción y el teatro japonés kabuki. Este personaje fue el primer álter ego que adoptó Bowie en su carrera, al que posteriormente seguirían otros como Aladdin Sane o el Duque Blanco. El disco comienza con Ziggy revelando a los habitantes de La Tierra que sólo quedan cinco años para que su planeta desaparezca, tras lo que decide convertirse en un «mesías rock» para salvarlo de la destrucción. Finalmente termina por abandonar sus objetivos y siendo víctima de su propio éxito.
El propósito de Bowie al concebir el personaje fue adaptar el concepto de los musicales de Broadway al rock, creando una estrella prefabricada que aunara elementos de ambos géneros. Para dotar de una mayor teatralidad a su puesta en escena, utilizó las técnicas que aprendió durante su etapa como actor en la compañía teatral del performer y mimo Lindsay Kemp, quien también fue el responsable de la coreografía de Ziggy y el grupo durante sus conciertos.
Para crear el personaje, Bowie se inspiró en el excéntrico cantante británico de rock'n'roll Vince Taylor, a quien conoció personalmente a mediados de los años 1960. El estilo de Taylor estaba fuertemente influido por Elvis Presley y en 1959 logró un notable éxito con el single Brand New Cadillac, que años más tarde versionarían The Clash en su álbum London Calling. En sus conciertos, Taylor salía a escena enfundado en cuero negro, maquillado y moviéndose espasmódicamente. En la época en la que conoció a Bowie, deteriorado por su adicción a las drogas y el alcohol, creía conocer los lugares exactos del mundo en los que supuestamente aterrizarían OVNIS y proclamaba en sus conciertos que era la reencarnación de Jesucristo.
Sobre el motivo por el que Bowie escogió el nombre de Ziggy para su personaje hay varias teorías. El propio artista afirmó en su momento que el nombre estuvo inspirado en una sastrería de Londres llamada de esta forma, aunque más tarde declararía a Rolling Stone que lo eligió por ser el único nombre cristiano que comenzaba con la letra Z. Otras fuentes han señalado la similitud del nombre y los de Iggy Pop y la modelo Twiggy, ambos amigos suyos y por quienes siempre ha sentido una admiración declarada. También se ha apuntado como origen del nombre su amistad con Marc Bolan durante los últimos años 60, quien había planeado adoptar el sobrenombre de Zinc Alloy ante un hipotético fracaso de T. Rex. En este caso, Ziggy sería una combinación entre la Z de Zinc e Iggy.
El origen del apellido Stardust está más claro, ya que Bowie ha comentado en varias ocasiones que lo tomó en honor a Norman Carl Odmon, un cantante country que en sus conciertos se presentaba como The Legendary Stardust Cowboy.
Para crear la andrógina imagen de Ziggy Stardust, Bowie se inspiró en el maquillaje y la puesta en escena del kabuki, contando para ello con el diseñador de moda Kansai Yamamoto, quien fue el encargado de crear toda la ropa que luciría Ziggy en sus conciertos. También el característico peinado del personaje lo inspiró Yamamoto, ya que Bowie decidió cortarse el pelo de esta forma tras ver unas fotografías en la revista Harper's Bazaar en las que el diseñador japonés usó pelucas que imitaban la melena de los leones al estilo kabuki para sus modelos.
Además de otros grupos de glam rock anteriores que lucían una imagen ambigua como T. Rex o New York Dolls, otras influencias en la estética de Ziggy Stardust fueron la por entonces reciente película La naranja mecánica y la imagen de las drag queens que frecuentaban la Factory de Andy Warhol, círculo en el que Lou Reed introdujo a Bowie poco antes de la gestación del álbum.
Grand Funk Railroad es una banda estadounidense frecuentemente bajo la modalidad de Power trio. Un gigante de los 70s; poco valorado por los críticos. La alineación original de Grand Funk fue muy popular durante la década de los años 1970, habiendo vendido más de 25 millones de discos y actuando en escenarios del mundo entero. También fueron galardonados 4 veces por la RIAA en 1970, caso único en cualquier grupo norteamericano en aquel año. También fueron citados como "la banda de rock and roll más fuerte del mundo". La alineación de Grand Funk usa el sobrenombre de "La banda americana", de su primer canción éxito "We're an American Band".
Jeff Mills , nacido el 18 de junio de 1963 en Detroit, es un músico y deejay de música electrónica.
En los años 80, Mills comenzó su carrera musical como DJ bajo el seudónimo "The Wizard" (El Mago), apodo dado en relación a su gran habilidad como mezclador. Sus sesiones eran uno de los platos fuertes del programa de radio nocturno de The Electrifying Mojo, influyente locutor que inspiró a la primera generación de productores de techno. Las sesiones de Jeff Mills combinaban una forma de mezclar pionera, que utilizaba trucos clásicos del hip hop junto a otras técnicas avanzadas, y todo ello al tiempo que mezclaba temas de Detroit techno oscuro, Miami Bass, house de Chicago o clásicos de New Wave.
Jeff Mills forma parte de la llamada "segunda ola" de Detroit techno. Creativamente, Mills comenzó produciendo a través del colectivo techno Underground Resistance junto a Mike Banks, un antiguo guitarrista del grupo Funkadelic. De forma similar a cómo lo había hecho unos años antes el grupo de rap Public Enemy, Mills y Banks se enfrentaban desde esta plataforma contra la industria musical con un discurso consciente y estrictamente anti comercial, de fuertes raices negras y con una estética futurista.
Mills dejó UR hacia 1992. En esta época creó junto a Robert Hood el sello discográfico Axis en el que publicó desde entonces un techno de corte fuertemente minimalista. Nuevos subsellos fueron creados más adelante, como Purpose Maker o Tomorow. Desde entonces no ha dejado de producir, sin dejar de lado su faceta de DJ. Ha sido considerado como uno de los mejores DJs de techno de la historia por su excelente habilidad. Para sus sesiones suele utilizar tres platos, normalmente una caja de ritmos Roland TR-909 y pincha aproximadamente 70 discos a la hora.
JEFF MILLS junto a la MONTPELLIER PHILHARMONIC ORCHESTRA presentó un espectáculo único e irrepetible. La interpretación de temas de JEFF MILLS con una orquesta sinfónica. El lugar; el impresionante puente ´Pont du Gard´ de Montpellier que celebraba sus 20 años como patrimonio de la humanidad. Mills ya recreo en dimensión ´sinfónica´ su ´score ´ de la película de Fritz Lang ; ´Metrópolis´ y Three Ages de Buster Keaton; pero esta es la primera vez que con más de 15 años de carrera sus temas como ´Gamma Player´; ´ Medium C´; ´The March´; ´Sonic Destroyer´ y ´Amazon´ desde sus días con Undergound Resístanse se gravan e interpretan en clave ´clásica.
Queens of the Stone Age (también conocidos como QOTSA o, simplemente, Queens) es una banda estadounidense de hard rock originaria de Palm Desert, California. Fue formada en 1997 por Josh Homme, dos años después de la desintegración de Kyuss, su banda anterior y contó con la participación de sus ex compañeros Nick Oliveri y Alfredo Hernández.
A finales de 2001 y comienzos de 2002 Homme logró reclutar a Dave Grohl de nuevo en una batería para grabar un álbum después de su pasado en Nirvana. Con respecto a Grohl, si es o no un miembro fijo, Homme responde que "él está en su propia banda, Foo Fighters. Creo que ésa es su prioridad. Lo que hicimos juntos fue cosa de un momento, como si buscáramos el momento clásico, ideal. Lo haces porque no pasa muy a menudo. Ésa es la sensación que hemos tenido desde que somos amigos y ahora lo plasmamos en un disco. Creo que Dave toca la batería para que nadie se olvide de dónde viene, de qué es lo que ha hecho siempre. Estamos muy contentos de tenerlo." El sonido pesado del stoner rock y las continuas comparaciones con Nirvana se acentúan con la inclusión de Grohl y de otro de los músicos importantes del grunge de comienzos de los 90 en Seattle: Mark Lanegan, vocalista de la banda de grunge Screaming Trees, grupo con el sello de Sub Pop Records. También se une a la banda el guitarrista Troy Van Leeuwen, ex-miembro de A Perfect Circle.
Con Songs for the Deaf, QOTSA logra el éxito definitivo a nivel internacional, gracias, en parte, al buen cartel que significaba contar con Grohl en la batería.[17] Tres singles fueron extraídos del disco: "No One Knows", "Go with the Flow" y "First It Giveth", lo que le valió conseguir estar entre los veinte primeros del Billboard 200 de 2002. El disco consiguió el disco de oro en Estados Unidos habiendo vendido 900.000 copias en 2003. A pesar del gran éxito del álbum, Grohl regresó a sus proyectos personales durante la gira europea de la banda y fue sustituido por Joey Castillo.
Saint Germain es el nombre artístico del músico francés Ludovic Navarre, con el que ha publicado tres álbumes. De su primer disco Boulevard ha vendido más de 300.000 y de Tourist ha vendido más de 200.000. El estilo de Saint Germain es una mezcla nu jazz, acid jazz y house. Considerando los tres álbumes en conjunto, se aprecia un mayor protagonismo del jazz en perjuicio del house.
Aunque Navarre es el líder de la banda y la persona que se encarga de la parte electrónica, también han participado en Saint Germain los siguientes instrumentistas:
La formula se repite desde hace muchos años. Antes la música cubana nos llegaba por barco en forma de estilo musical (Habaneras) o de cantantes históricos (Antonio Machín), más tarde un reportero destapo el tarro de las esencias que se ocultaba en la ciudad de Santiago de Cuba; como consecuencia La Vieja Trova Santiguera viajaba por toda Europa en los años 90' fascinando con sus voces que parecían resonar a través de un viejo gramófono. El fenómeno Compay Segundo fue lanzado a continuación por un productor que dominaba el mercado anglosajón; Nick Gold y Ry Cooder aunaban fuerzas aprovechando el tirón y todo el mundo descubrió la fuerza de la fusión cultural por la que Cuba fascina.
Ahora dos neófitos productores ejecutivos Zack Winfield y su colega Ado Yoshizaki, repiten la jugada de unir la técnica de afamados productores musicales de vanguardia del Reino Unido y los EE.UU como Norman Cook (Fatboy Slim), Rich File (UNKLE), Poet Name Life (Black Eyed Peas), Guy Sigsworth (Bjork, Madonna), Marius De Vries (Sugarcubes, Björk, Massive Attack), y Cameron McVey & Jan Kybert (Massive Attack, Portishead) con eficaces músicos de estudio cubanos y el talento de una serie de jóvenes y experimentados cantantes nacidos en la isla como Orishas, el dúo de hip hop Anónimo Consejo, Aridai Vega Martín o el cuarteto vocal Sexto Sentido. Todo esto ha generado este sorprendente trabajo: The Revolution: “Presents Revolution”.
Daydream Nation es el quinto álbum de estudio de Sonic Youth, lanzado en 1988. Fue un éxito, en un gran número de publicaciones, incluyendo Rolling Stone, Spin Magazine, y Pitchfork Media lo galardono como uno de los mejores álbumes de los años 80. Consecuentemente, es considerado como un hito de la música alternativa de los 80.
Daydream Nation representa una primera conversión de estilo para Sonic Youth, desde sus raíces Noise-Rock, hacia una sutil combinación de experimentación con guitarra y el Rock tradicional. La portada mismo, evoca esta transición, con el cuadro de 1983 del pintor fotorealista Gerhard Richter, que lleva por título Kerze ("candle"). La contraportada es un cuadro similar, de Richter, pintada en 1982.
Sin embargo, las ventas iniciales fueron pobres, en parte porque Enigma Records, discográfica de Sonic Youth, quebró poco después del lanzamiento del disco. Después de que un período fuera de la impresión, Daydream Nation fue reeditado por DGC en 1993, que había firmado un contrato con la banda debido a las grandes criticas cosechadas por el álbum. El single, "Teen Age Riot", permaneció posteriormente en las listas de Billboard Music Charts en los E.E.U.U., ocupó el puesto #20 en la listas de Modern Rock Track Charts.
Vuelven estos prolíficos monitos del ártico británicos al mercado del disco, chavales post-adolescentes saludados alborozadamente un año antes con su debut por los medios de su país, tan dados a bautizar mesías del rock cual SantosJuanesBautistas en el Jordán.
Sus sonidos no son más que remedos de agitadas propuestas previas garage-punk, brit-pop, post-punk y new wave, mixturados con otros conjuntos contemporáneos, coctelera nervuda de Libertines, XTC, White Stripes, Blur, Stranglers, y Franz Ferdinand.
El acercamiento a sus referencias es cerril y acelerado, las melodías por lo general resultan anodinas, los textos, más ensombrecidos que en el previo álbum, apuntan inofensivas estampas urbanas y personajes en ocasiones expuestos en aprietos existenciales, pero recargan fragmentaciones sin calado, sin significación a nivel lírico, sometiendo su valía a una agresiva propuesta instrumental, con riffs garajeados, enfoque bailongo-botellón, percusión meneada, guitarras zumbantes y angulares, vocalidad puntualmente neurótica, bajos palpitantes de esencia funk…
Su derivación no implica ausencia de temas de cierto reconforte e instantaneidad, que sirvan para una regular oscilación cabezal y movimiento pezuñero.
En especial el inicio del álbum, con una sucesión de piezas belicosas de alto ritmo, como “Brainstorm”, “Teddy Picker” y “D is For Dangerous”, canciones sudorosas de jadeante achicleo escapista, cabrioleo y esparcimiento juvenil.
Curtidos ya en cien batallas, el Shock de Leia es una vuelta de tuerca más en la carrera particular de Antonio Arias, que ladrillo a ladrillo va cimentando la trayectoria de un grupo, que ya a estas alturas, tendrá su altar propio en el santuario del rock nacional.
Evolución y búsqueda, son los dos términos que definen la filosofía de Arias, nunca sabremos con que mágica pócima nos va a sorprender, habiendo dejado atrás sonidos más hardcore, metálicos e industriales, Antonio ahora da un giro hacia sus orígenes, ecos de “Inercia” y “Su”.
Con el grupo reducido a cuarteto; Antonio, Eric Jiménez, Lorena Enjuto y Víctor Lapido, despachan un disco directo e inmediato, canciones que pegan fuerte en la primera escucha, guitarras afiladas y textos inteligentes, imposible no ver la influencia 091 en algunas melodías, herencia que aun hace mas grandes las canciones.
14 temas brillantes, sin relleno alguno. De entre todas ellas, destaca la que da título al disco, con voces y coros de miembros de Lori Meyers.
"He advertido a los que habitan el infierno de la luz..."
Jeff Mills , nacido el 18 de junio de 1963 en Detroit, es un músico y deejay de música electrónica.
Saint Germain es el nombre artístico del músico francés Ludovic Navarre, con el que ha publicado tres álbumes. De su primer disco Boulevard ha vendido más de 300.000 y de Tourist ha vendido más de 200.000. El estilo de Saint Germain es una mezcla nu jazz, acid jazz y house. Considerando los tres álbumes en conjunto, se aprecia un mayor protagonismo del jazz en perjuicio del house.
