The Bloody Beetroots son un dúo italiano de música electrónica y dance. Fue formado a finales de 2006 por el productor internacional indie Bobby Rifo , junto con Tommy Tea (aka isaac) de ensenada secretamente; aunque Bob Rifo se encarga de la mayor parte de la producción y mezclas. Su primer EP Cornelius, del 2008, se colocó en el Top 100 de descargas internacionales en iTunes ese año. Este álbum fue un completo proyecto artístico, compuesto por música, videos y moda. Colaboraron con la firma francesa Sixpack France para sacar a la venta un modelo de camiseta de edición limitada. De cara al público, ambos componentes llevan máscaras del villano de Spider-Man, Venom. A principios de 2008 hicieron un pequeño tour por los Estados Unidos, junto con el DJ Steve Aoki. En 2008, su canción Butter fue incluida en la banda sonora del FIFA 09, y Mac Mac apareció en NBA 2K9 de 2K Sports.. Durante su gira de 2010 cambiaron su nombre a The Bloody Beetroots Death Crew 77 e introdujeron a un tercer componente, Edward Grinch, que toca la batería en los directos.
Angus: Hey Margaret, ¿ya tienes listo mi trajecito escolar? Margaret: No seas impaciente Angus, nadie se muere por verlos y menos por oírlos.Oh se trabó la máquina... y eso que trabaja con Corriente Alterna y Corriente Directa...
-Una típica conversación entre Angus Young y su hermana mayor Margaret, durante los inicios de AC/DC.
Y es que era ella quien le tenía qué cocer el traje, el cual apenas eran unos pantalones y muy de vez en cuando se le incluía la chaqueta. Oficialmente, High Voltage debutó en 1975, pero sólo en Australia. Fue hasta 1976 (Uff, mucho tiempo) que se distribuyó de manera internacional, eso sí, cambiándole varias canciones.
Estos eran los tiempos sencillos, donde la única presión era encontrar dónde tocar y cuando el único fruto del esfuerzo llegaba a ser máximo una botella de cerveza para cada quién o, en el caso de Angus, una botella de leche. High Voltage es el inicio de los escoceses australianos más conocidos del mundo de la música, e iba más o menos así:
Un solo riff, sencillón, es el de It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock 'n' Roll), canción que relata lo difícil que es abrirse paso en la escena musical. Bon Scott hace su propio duelo de solos con Angus, Bon en la gaita y Young en la guitarra. Cuando oí por primera vez esa gaita, es decir, una gaita en una canción de hard rock me quedé pasmado, pero me encantó. Solo Bon Scott podría agregarle ese instrumento y aún así hacer sonar a la canción como una de las mejores del disco.
Rock ‘n’ Roll Singer es mas ‘relajada’ gracias a que la gaita se fue (no digo que no me guste la gaita…). Riffs y melodías se van abriendo paso desde el principio y el ritmo de toda la vida junto a la voz de Bon lo dicen todo: esta es una canción de AC/DC. Sin mencionar el estribillo tan asombroso. Eran los primeros pasos, pero sabían bastante bien lo que hacían.
Esta es una con la que a Bon le gustaba asustar a las chicas: The Jack. Se refiere a una enfermedad venérea, la cual ninguna dama quisiera tener, y cada vez que Bon recitaba “She’s got The Jack” todas se alarmaban. Es uno de los temas más lentos de AC/DC y uno de los que retienen la influencia blues rock que los integrantes recibieron desde jóvenes.
Live Wire tiene un inicio discreto, acompañado por un aún más discreto bajo que se pierde tan pronto entra el platillo y la guitarra entra a terrenos más familiares para nosotros. Esto se ha convertido en un hard blues que por ratos se tira al hard rock y otros al blues. Los ratos de blues son los versos normales, antes de llegar al estribillo donde se vuelve hard rock. Hasta ahora podemos notar que la mayoría de las canciones dura cerca de los cinco minutos, a diferencia de lo que harían después. El solo en esta canción es rockanrollero pero con ese toque que le daría fama y reputación a Angus dentro de unos cuantos años más.
Si no has oído T.N.T. te pierdes de muchas cosas que suceden en menos de cuatro minutos. El riff es de lo más pesado que se puede hayar en el álbum, la batería y su pedal son adictivos, los versos y estribillo son de sobra conocidos y el solo es el climax perfecto, para acabarlo como acabarían muchos de sus temas: tacatacatacatacata…ta! Reflejando así la ‘trama’ de la canción (¡dinamita, hombre!).
Can I Sit Next to You, Girl fue escrita por los hermanitos Young y se trae una melodía rockanrollera que queda opacada por el “tierno” mensaje que oculta. Los revoltijos de riff que hace Malcolm en los versos son increíbles. Bon recitando el estribillo así tan bajito y suavemente… Lo dice tanto así que pareciera que se lo dice a la chica directamente al oído, en plan de querer algo más que sólo sentarse junto a ella.
De vuelta al blues rock: Little Lover. Es lenta, repetitiva como solo el blues sabe y sobre todo, es de AC/DC. Entonces tenemos un tema calmado, con guitarras que aún no se definían como amas de los riffs más distorsionados de su época y en cambio iban cargados de melodías sencillas que aparentemente estaban mal logradas, por eso sonaban con una leve distorsión.
Algo para retratar la valentía femenina es She’s Got Balls. No crean que es sobre travestis, es sobre una dama con bastantes huevos (bolas) como para que su hombre le dedique una canción. Esto es verídico: la esposa de Bon le pidió que le dedicara una canción y Bon escribió esta… Ella lo abandonó. El riff no posee muchos cambios, es constante, cortante, directo y el solo es todo lo contrario. No es directo, pero te llega.
Cuando vi por primera vez el video de High Voltage sentí una nostalgia enorme. Ver a estos tipos vestidos de manera tan sencilla… Seguramente era un lunes cuando grabaron el video porque Angus iba vestido de blanco. Y el letrero con el nombre de AC/DC se veía tan improvisado, todo era tan… “Pobre”. ¿Qué puedo decir de la canción? Es perfecta: tiene riffs hard rockeros, tiene el ritmo de AC/DC, tiene los coros estribillados a los que nos acostumbrarían y tiene el solo de Angus Young lleno de inspiración. Este tema es el primero del futuro. Es el prototipo, junto a T.N.T. de lo que AC/DC sería en cuestión de pocos años.
High Voltage es un disco único en el hard rock, la frescura con la que lo hicieron, la época, la banda, en fin, sus elementos se combinan para crear el primer disco oficial (internacional) de una de las más grandes bandas.
El quinteto de Oxford sacó a la venta ‘Antidotes‘ (2008), su disco de debut, con la promesa de que el segundo disco sería diferente, y cumplían cuando hace unos meses salió el vídeo de ‘Spanish Sahara’, una de las once pistas que contiene ‘Total Life Forever’. El tema (temazo) en cuestión dura casi 7 minutos y carece casi por completo de los ritmos y guitarras math-rock que caracterizaban aquel primer trabajo. Al escuchar los demás, empezando por ‘This Orient‘, el single, se puede constatar que el nuevo trabajo de la banda de Yannis Philippakis sí es diferente, pero no supone una ruptura con su sonido anterior. En ‘Total Life Forever’ recogen lo mejor del pasado y evolucionan con ello, creando un disco mejor, más variado, con momentos para bailar desenfrenadamente y momentos para escuchar con detenimiento.
Habría sido una verdadera pena prescindir de los contagiosos ritmos de ‘Antidotes’ en un intento de no estancarse, pero no, han decidido darle vueltas a su estilo, personalizándolo. ‘Blue Blood’, el primer corte, nos abre las puertas de esta nueva aventura con un tímido inicio que da paso a sus características guitarras punteadas y los ritmos sincopados de bajo y batería, que continúan en ‘Miami’ y en ‘Total Life Forever’. Tres temas que evocan su pasado reciente con matices: menos frenéticos y más detallistas, con un mayor trabajo de producción (sintetizadores ambient, voces a coro en el tema que da título al álbum, etc.), algo que se corrobora en ‘Black Gold’, que empieza con batería electrónica, y al cambiar a la acústica hacia la mitad, modifica también su melodía, prácticamente convirtiéndose en un tema nuevo.
Puede ser casualidad o haberse hecho deliberadamente, pero el orden en el que están secuenciadas las canciones del disco nos lleva desde lo que eran Foals hacia lo que son y pueden ser en un futuro. Tras este último tema está ‘Spanish Sahara’, con su lento desarrollo hacia una explosión y un efectivo uso de los delays de guitarra. El single es un corte que curiosamente los emparenta un poco con Bloc Party, y por mucho que odien ser comparados con ellos, podría haber encajado sin problemas en el segundo o tercer disco de los de Kele Okereke.
‘Fugue’ es una instrumental de menos de un minuto, un poco de relleno, inofensiva pero agradable, que nos conduce al final, la guinda del pastel. ‘After Glow’ pasa de un comienzo sensual a una rabiosa segunda mitad, de ritmos un tanto tribales. ‘Alabaster’ intriga (¿quién dijo que la voz de Yannis era plana y sin sentimiento?), ‘2 Trees’ es emocionante, con guitarras y batería a lo Radiohead (época ‘In Rainbows’) y ‘What Remains’ nos deja en calma total. Un segundo disco que mejora lo propuesto en el primero y lleva a Foals a un universo cada vez más personal. ¿Enterramos el hype de una vez por todas?
Harvest es el cuarto álbum de estudio del músico canadiense Neil Young, publicado en 1972.
El álbum incluye un amplio elenco de invitados de lujo, entre los que se incluyen la Orquesta Sinfónica de Londres, Linda Ronstadt, Stephen Stills, Graham Nash, David Crosby y James Taylor. Harvest alcanzó el primer puesto en las listas de Billboard, con dos sencillos, "Old Man" y "Heart of Gold", alcanzando respectivamente los puestos 31 y 1 en las listas de singles.
En 2002, Harvest fue remezclado digitalmente y reeditado en formato DVD-Audio. La nueva mezcla en sonido 5.1 fue objeto de controversia debido a su poca habitual mezcla, con las voces en el centro de los altavoces y la batería de fondo. El 14 de julio de 2009, Harvest fue remasterizado y reeditado en formato HDCD.
Tras la ruptura del supergrupo Crosby, Stills, Nash & Young, Young reclutó a un nuevo grupo de músicos de sesión que bautizó como The Stray Gators para grabar Harvest. El álbum obtuvo un éxito masivo al colocar un sencillo, "Heart of Gold", en el primer puesto de las listas estadounidensas. Otros temas volvían sobre la temática habitual en las canciones de Young. Así, "Alabama" supone un "desvergonzante refrito de "Souther Man"", en palabras de Jim Miller.[1] Por otra parte, "Words (Between the Lines of Age)" incluye un largo trabajo de guitarra con la banda, mientras que "The Needle and the Damage Done" supone un lamento por los artistas que habían muerto a causa de la adición a la heroína. El éxito del álbum cogió a Neil Young desprevenido, lo que en un primer momento le motivó a salir del estrellato. Posteriormente, el propio Young escribió que "Heart of Gold" le había puesto "en medio de la carretera. Viajar se convirtió pronto en un aburrimiento"
Young llegó a Nashville en 1971 para participar en el programa televisivo de Johnny Cash en un episodio en el que coincidió con Linda Ronstadt y James Taylor.[3] Elliot Mazer había abierto los Quadrofonic Sound Studios en Nashville, e invitó a Young el 6 de febrero a cenar para enseñarle el modo de usarlo. Neil admiró el trabajo realizado en él por el grupo Area Code 615 y se interesó rápidamente por el estudio.
Mazer pronto contactó con el batería Kenny Buttrey, el bajista Tim Drummond y el guitarrista Ben Keith. La misma noche realizaron las bases para "Heart of Gold", "Old Man", "Harvest" y "Dance Dance Dance", la última de ellas finalmente descartada del álbum aunque posteriormente publicada en el álbum debut de Crazy Horse. Los músicos de sesión Andy McMahon y John Harris fueron contratados para tocar el piano en "Old Man" y en "Harvest", respectivamente, y Teddy Irwin añadió la segunda guitarra acústica en "Heart of Gold".
Tras grabar su parte en el programa de Johnny Cash, Young llevó al estudio de Ronstadt y a Taylor. Los tres se sentaron para grabar los coros de "Heart of Gold" y "Old Man". Asimismo, Taylor usó el banjo de seis cuerdas de Young para añadirlo a "Old Man".
"Bad Fog of Loneliness" y "Journey Through the Past" fueron también grabados durante las sesiones de Harvest, aunque no serían publicadas hasta la aparición del box set The Archives Vol. 1 1963-1972, en las que figuran los mismos músicos de las sesiones. "Journey Through The Past" fue publicada en una versión diferente en el álbum Time Fades Away, mientras que "Bad Fog of Loneliness" permanecería inédita hasta la publicación en 2007 del álbum Live at Massey Hall 1971.
Las canciones con contenido eléctrico fueron grabadas en el rancho de Young en California. "Are You Ready for the Country", "Alabama" y "Words" fueron grabadas durante dichas sesiones con Buttrey, Drummond, Keith, y Jack Nitzsche al piano. Young bautizó a la banda The Stray Gators, quien le serviría de acompañamiento en la gira de invierno de 1973.
"A Man Needs a Maid" y "There's a World" fueron grabados por Nitzche con la Orquesta Sinfónica de Londres, mientras que "The Needle and the Damage Done" fue extraída de un directo ofrecido en UCLA. Coros de Crosby, Stills & Nash fueron grabados por Mazer aparte en Nueva York. En 1998, los lectores de la revista Q votaron a Harvest como el 64º mejor álbum de todos los tiempos. En 1996, en 2000 y en 2005, los lectores de la revista Chart situaron a Harvest en el segundo puesto en las tres encuestas, por debajo del álbum de Joni Mitchell Blue en la primera encuesta, y del álbum de Sloan Twice Removed en las otras dos. En 2003, la revista musical Rolling Stone emplazó a Harvest en el puesto 78 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. En 2007, Harvest fue nombrado el mejor álbum canadiense de todos los tiempos en el libro de Bob Mersereau The Top 100 Canadian Albums.
Cypress Hill es un grupo de Rap proveniente de South Gate, California, pero de raíces latinas. Fue formado en 1986 y a lo largo de su amplia y exitosa carrera han vendido más de 18 millones de álbumes en todo el mundo.
El grupo está formado por DJ Muggs (Lawrence Muggerud, DJ y productor, 28 de enero de 1968), B-Real (Louis Freese, Mc, 2 de junio de 1970), Sen Dog (Senen Reyes, Mc, 20 de noviembre de 1965) y Eric Bobo (Eric Correa, percusionista, 27 de agosto de 1968, que se integró en 1994). Uno de los aspectos de su popularidad es su compromiso con la legalización del consumo de marihuana o cannabis. Cypress Hill es el primer grupo latino en obtener un disco platino, oro y multi-platino.[1 El nombre Cypress Hill hace referencia al lugar donde los primeros miembros de la banda vivieron, en la Avenida Cypress en South Gate, Los Ángeles, cabe recalcar que en dicho lugar hay muchos árboles de ciprés, un árbol de la familia de los pinos. El nombre original del grupo era "DVX", pero fue cambiado tras la salida de Mellow Man Ace (Ulpiano Sergio, el hermano menor de Sen Dog) del grupo para iniciar su carrera como solista. A veces incorrectamente se cree que el nombre del grupo se refiere a la sección de Cypress Hills en East New York, Brooklyn.
Ya casi han pasado 10 años desde que Mariano Marcial Pérez incursionó en la escena musical bajo el nombre artístico de Deep Mariano.
Después de haber musicalizado los mejores clubs de su ciudad natal (Rosario), Deep Mariano irrumpió en la escena electrónica de Buenos Aires y poco a poco fue ganando reconocimiento en la misma. Paralelamente al crecimiento de su experiencia en las bandejas, Mariano empezó a indagar en el campo de la producción, editando su material en varios sellos internacionales. Su ep “2002” llamó la atención de John Digweed quien lo difundió en su programa de radio “Transitions” así como también recibió el apoyo de algunos de los mejores djs del mundo tales como Hernan Cattaneo, Sasha y Laurent Garnier.
Además de sus producciones originales, Mariano ha trabajado remixando a reconocidos artistas como Switch (productor de M.I.A), Pole Folder y Jeff Bennet siendo editados por sellos tales como Snejl, Frisky Records, entre otros. Recientemente, ha remixado el single “Loba” del último álbum de Shakira para Sony Music.
Desde su primera participación en el 2005 en Creamfields Buenos Aires, el crecimiento de su carrera se reflejó en presentaciones tanto en el exterior como en nuestro país, con fechas en los clubs más importantes del mundo -como es el caso de WARUNG (Brasil), WOMB (Tokio, Japón), Pacha y State (Buenos Aires) -, en la invitación de John Digweed para su programa de radio Transitions y como responsable del warm up de Sasha, Junkie XL y Hernán Cattáneo, quien lo votó como “Breaktrhough Dj 2008” en la revista DJ Mag. Asimismo ha compartido cartel con grandes artistas como es el caso de LCD Soundsystem, Ladytron o MSTRKRFT en el festival de “Southfest” y participado repetidas veces en las “Moonpark” de Buenos Aires.
Por fin llega la edición física de Crystal Castles 2, segundo Lp del dúo de Ontario conocido por liarla bien en el escenario. Debido a la expectación levantada el lanzamiento digital se adelantó hace unas semanas y solo ahora los amantes del formato físico podrán disfrutar de este disco en todo su esplendor. Crystal Castles se han creado un inesperado ejército de culto con miles y miles de fans devotos. Como pistoletazo de salida tienen en su haber la cifra de más de 50 Millones de plays en Myspace y Lastfm y para todos sus conciertos se agotan las localidades. Los temas del nuevo álbum se han grabado desde una iglesia en Islandia, a una cabaña en el Lago Ontario o en un garaje abandonado en Detroit. El primer single del disco es “Celestica” aunque el tracklisting esconde unos cuantos temazos más como esa joya saturada llamada “Baptism“, la divertida “Birds” o ese temón que es “Pap Smear“. Con este LP los americanos confirman que no son un hype y que son unos maestros a la hora de reconducir todo ese electro-pop hacia farragosos terrenos del noise y la experimentación electrónica. Solo Seligh Bells y Kap Bambino juegan en la misma liga que Crystal Castles lideran por derecho propio.
Triángulo de Amor Bizarro son una banda atípica. Primer álbum homónimo: discazo; repleto de himnos. Al poco publican El Hombre del Siglo V (2007, Mushroom Pillow) con el sonido original de lo que pudo haber sido su debut encumbrado y repiten éxito. Dos visiones igual de buenas que esperaban una réplica en una segunda entrega inédita.
Año Santo (2010, Mushroom Pillow) es el trabajo que tres años después de su éxito y consiguiente revolución inicial de una escena independiente española necesitada de mala hostia rompe de lleno cualquier baremo o listón puesto por los gallegos. El primero disco está muy bien, tiene un single en cada pista, pero éste segundo es otra cosa: es perfecto.
Crudo, oscuro y asfixiante. 28 minutos donde Triángulo de Amor Bizarro, con sólo dos miembros de la formación original (Rodrigo Caamaño e Isa Cea), logran encontrar el sonido más adecuado a sus canciones gracias a una producción que recae en el sabio Paco Loco que logra una versión personal del sonido Post-Punk de los 80 en temas no aptos para claustrofóbicos, como ‘Muchos Blancos en Todos los Blancos’, donde destacan tres cosas: el buen posicionamiento de la voz de Rodrigo, la magnífica letra y sobre todo, el bajo de Isa. De fondo ya quedarán los hábiles recursos del productor.
Este trabajo es puro bajo. Puro Punk desenfadado a base de muros de sonidos que no ahogan a las voces, sino que más bien las dejan sueltas cuales ánimas vagando por el mundo, ya que los timbres de ambos vocalistas se posicionan en planos que permiten esa separación cuando interesa, en especial en la primera mitad del álbum, mitad más Pop, con un single, ‘De la Monarquía a la Criptocracía’, que es el antisingle si lo comparamos con el resto del metraje. Triángulo de Amor Bizarro firmando su tema más “claro” para después dar paso a ‘Amigos del Género Humano’.
Lo que podía ser una maniobra fallida de Shoegaze típico, con atmósferas ahogadas y voces ocultas bajo los instrumentos, se antepone como un perfecto puzzle donde cada dardo de dos o tres minutos (¿para qué más?) tiene distorsión aportada por las guitarras, potencia y una batería (Rafael Mallo) para sacar músculo. Todo bien unido, incluso cuando se incorporan coros o se le añade eco a la voz de Rodrigo. Ahora se entiende el paso al cuarteto con la también entrada de Óscar Vilariño. Potencia sin descanso. Un arsenal dispuesto para hacerlo estallar.
Llega Rodrigo y canta “Siempre me dejas ejecutando en segundo plano. Ya me está fallando la toma de tierra” y los riffs de las guitarras le dan la réplica perfecta. Frente a su fraseo pausado y apagado vibraciones al rojo vivo, sin evitar incluso algún guiño al Western en las partes instrumentales. Eso sí, es el Western de TAB, un mundo digno de ser analizado.
Lo mismo Isa arranca con el bajo situado en primer lugar llevando el ritmo en ‘El Culto Al Cargo, O Cómo Hacer Llegar El Objeto Maravilloso’ que segundos más tarde se entierra bajo la capa de instrumentos en ‘El Baile de los Caidos’, digna de un entierro religioso macabro, cantando, en principio, a una veinteañera que parece una vieja.
Y es que los gallegos no sólo no se repiten en Año Santo si no que firman un discazo. Difícil de concebir escuchando su debut. La superación ha sido brutal, lejos queda el primer material publicado. Las letras casan solas, sus propias historias, la manera con que las abordan y en especial, cómo lo han conseguido plasmar en el estudio. Tres o diez años más de espera no hubiesen importado para menos de media hora ya que como canta Rodrigo “niña, ten cuidado con lo que te ofrecen” y al final ya tenemos el segundo de TAB.
Odelay, Beck, Beck, Odelay, el orden de los factores no altera el producto. El quinto disco del californiano, y segundo para la industria, fue su confirmación cuando todavía era un joven con un éxito irónicamente llamado Looser (hasta hoy, uno de sus mejores temas). Atrás dejaba su influencia y experimentos por la vía del folk para pasarse de lleno a los sintetizadores y todos los aparatos que en manos de Beck cobraban vida propia.
Fue un disco fresco, revolucionario para una época en que la electrónica, si bien construía sus pilares de forma muy dispersa en diferentes frentes, no tenía mucha vocación de superar un gran público que se interesase por sonidos más extraños de lo normal. Beck consiguió el éxito de crítica y público, en parte por una acertada campaña comercial y el saber estar del músico en el momento exacto, pero en su mayoría por la tremenda calidad que acompaña a Odelay.
Todo empezaba con Devil’s Haircut, himno nada más reproducirse por primera vez y escuchar la base; Hotwax nos daba al Beck más volcado al rap, parte que explotaría en posteriores entregas como Guero (2005, Interscope); Lord Only Knows demostraba su poderío en el manejo a su antojo del ritmo y con The New Pollution anticipaban Midnite Vultures (1999, DGC). Y así podríamos seguir hasta el último corte, porque todo en Beck es el eterno retorno, el último disco puede sonar al primero y viceversa, desde un inicio podría haber estado anunciado Sea Change (2002, DGC) y no habernos enterado.
La magia que posee es inusitada para un artista de su generación, quemados a las pocas referencias publicadas o hundidos por no saber aguantar la fama y su mundo. Beck al parecer ha hecho de ésta un elemento más para su música. Bien se puede pasear por las mejores majors que coger otra vía ajena.
Ahora se dejan tres remixes para empezar el fogonazo del segundo disco, en manos de U.N.K.L.E. (Where It’s At), el otro rubio de oro de la electrónica: Aphex Twin (Richard’s Hairpiece) y Mickey P (American Wasteland). De los tres, el único que carece de gracia es el último, manteniendo los dos primeros el nivel de los artistas que los firman. Cada uno los llevan a su terreno, U.N.K.L.E. más oscuros y Aphex Twin en una mezcla entre breakbeat y techno.
Después vienen once cortes de caras-B y tres añadidos al primer cedé. En estos casos, como siempre pasa, hay de todo. Desde un Beck creativo (Electric Music and the Summer People) hasta un puro experimento con ruido (Lemonade). La mayoría dan canciones a tener en cuenta para los seguidores de la obra de Beck, y también para aquellos que quieran disfrutar de un buen disco de electrónica sin barreras. Una edición Deluxe para recordar Odelay e ir situando a Beck donde ya está hace mucho tiempo: entre los más grandes.
Son un trío, vienen de Manchester y, a priori, tenían que comerse el mundo. Y más teniendo en cuenta que contaban con Gareth Jones (These New Puritans, Depeche Mode) en la producción. Aquel “You Came Out” (con sentido homenaje silvado al “Young Folks”) o esa muestra de minimalismo disco que supuso “Oh!” hizo que la blogosfera los enalteciera como la nueva promesa del electropop, comparándolos incluso (erróneamente) con los propio Hot Chip cuando en realidad lo suyo es más un híbrido entre los bajos de The XX y el deje oscuro que procesaban The Human League u OMD en sus sintetizadores. Nos prometían baile, pero no se han conformado sólo con eso. ¿Ganas de abarcar demasiado? Probablemente. Sea como fuere, cuando Thomas se postula como una versión renovada de Ian Curtis en “Centerfolds & Empty Screens” o “WHB” la banda cobra sentido, al igual que en ese inicio del todo sorpresivo que conforman “Piano” y “Buffet”, las cuales se distancian drásticamente de los recodos funk y dance rock de “Divisive”. Conseguirán que bailemos sus singles por mucho que nos neguemos, aunque lo más interesante de ellos, precisamente, resultan ser esos cortes en los que las luces de neón parpadean pero no brillan en todo su esplendor para que lo demos todo en la pista.
